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Arts et spectacles
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Avec l'enthousiasme, l'audace et l'érudition qu'on lui connaît, Daniel Arasse nous invite à une traversée de l'histoire de la peinture sur six siècles, depuis l'invention de la perspective jusqu'à la disparition de la figure.
Évoquant de grandes problématiques (la perspective, l'Annonciation, le statut du détail, les heurs et malheurs de l'anachronisme, la restauration et les conditions de visibilité et d'exposition), mais aussi des peintres ou des tableaux précis, il fait revivre avec intelligence et ferveur plusieurs moments clés, comme Léonard de Vinci, Michel-Ange, le maniérisme, ou encore Vermeer, Ingres, Manet. Son analyse se nourrit constamment d'exemples concrets dans un ensemble qui s'achève par certains aspects de l'art contemporain.
Daniel Arasse inspire ainsi le goût de voir ou de revoir de grands moments de la peinture, dont il propose une lecture subtile et ouverte. Par l'effet du don et de la générosité, la voix suscite le désir de voir et revoir mieux, elle nous surprend, nous réveille et nous entraîne dans un véritable enchantement de l'intelligence qui n'est jamais dépourvu d'humour.
Ce livre est la transcription des 25 émissions proposées par l'auteur sur France Culture pendant l'été 2003, et devenues aussitôt une série culte. Elles sont ici restituées sous forme de CD-MP3, avec une transcription écrite et un cahier de 45 illustrations en couleurs.
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La pierre lithographique que j'ai devant moi sera la première d'une série destinée à illustrer Vacillations. Faire courir avec indépendance, de haut en bas, la typographie d'un inédit de Cioran comme une bande-son le long d'une pellicule cinématographique. Pierre Alechinsky, Ambidextre, 2019.
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Nicolas de Staël : La peinture comme un feu
Stéphane Lambert
- Gallimard
- Livres D'art
- 14 Septembre 2023
- 9782073024688
«On fonctionne comme on peut. Et moi j'ai besoin pour me renouveler, pour me développer, de fonctionner toujours différemment d'une chose à l'autre, sans esthétique a priori... Ce qui importe c'est que ce soit juste.» Cette formule que Nicolas de Staël couche sur le papier dans une lettre de janvier 1955, deux mois avant de se donner la mort à Antibes, synthétise le principe qui a gouverné sa trajectoire. Guidé par un puissant instinct et une vive aspiration spirituelle, il a su transformer les coups de l'adversité en ressort de créativité. Des ciels gris-bleu de Saint-Pétersbourg à la perspective azur de la Méditerranée, Staël a cheminé en solitaire, à la fois ombrageux et solaire, entouré et seul, orgueilleux et compassionnel, avant de s'éteindre comme une comète folle au terme d'un parcours aussi lumineux que tragique.
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"Bien sûr, il y a la fonte des glace, la décrépitude, la trahison, l'agonie. Bien sûr, il y a la mort.
Mais le mignonisme est là, en cherchant bien, à portée de main, pour conjurer le sort et aborder ces rivages incertains, plus apaisé"...
À l'occasion de son exposition au Bon Marché (26 février - 24 avril 2022) Philippe Katerine renoue avec les arts plastiques et signe un livre d'artiste faisant suite à son journal Doublez votre mémoire (2007, aujourd'hui en poche).
Né du confinement, regroupant photographies, dessins et peintures mais aussi sculptures à base de jouets d'enfants, cet ouvrage invite à la douceur et à la beauté des choses dans un monde qui parfois s'essouffle. -
Encyclopédie des rêves et des cauchemars
Frédéric Livyns
- Le Heron D'Argent
- 10 Juillet 2025
- 9782386180064
Pourquoi ai-je rêvé que je devais fuir ? Pour quelle raison avais-je perdu mes dents ? Quel sens donner à cet animal qui me poursuivait ?
Nos songes sont des reflets souvent bien énigmatiques de notre réalité intérieure. Cet ouvrage vous invite à explorer l'univers fascinant de leur interprétation. Entre ces pages, songes de l'être humain, mirages animaliers, rêves sur la nature et chimères prémonitoires se déploient, afin de vous offrir les clefs qui vous permettront de déchiffrer vos visions nocturnes.
Plongez dans ce voyage au c1/2ur de votre sommeil. Révélez vos craintes, vos désirs et vos aspirations les plus profondes...
« Une lecture essentielle pour celles et ceux qui cherchent à comprendre le sens profond de leurs rêves. » -
Ernest Pignon-Ernest est né à Nice en 1942. Depuis 1966, il fait de la rue le lieu même d'un art éphémère qui en exalte la mémoire, les évènements ou les mythes. Il a ainsi préfiguré nombre d'expériences artistiques sollicitant l'espace du dehors.
Par la facture puissante, comme intemporelle, de ses images et l'acuité de leur inscription dans le réel (choix signifiant des sites et du moment), les interventions d'Ernest Pignon-Ernest métamorphosent les lieux en espaces plastiques, poétiques, fictionnels, réminiscents, jusqu'à faire de ces lieux et du temps l'oeuvre même.
Du Chili à Soweto, d'Alger à Naples, de Charleville à Paris, la confrontation des drames de notre temps comme l'exploration de destins individuels en rupture de norme ou de mythe à raviver font prendre à l'artiste un risque chaque fois inédit, celui-là même qui hantait Rimbaud quand il s'acharnait à trouver le lieu et la formule.
Cet ouvrage invite à un retour sur l'ensemble de l'oeuvre, tout en mettant l'accent sur les interventions récentes de l'artiste, de la restitution des extases des grandes mystiques (2008) aux évocations des fantômes de la prison Saint-Paul à Lyon (2012), en passant par un parcours sur les traces du poète palestinien Mahmoud Darwich à Ramallah (2009).
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Chaque décembre, les membres des tribus Lakotas (Sioux) du Dakota du Nord et du Sud entreprennent une chevauchée de 450 km en mémoire du massacre de Wounded Knee en 1890. Malgré des conditions de vie très précaires dans leurs réserves, marquées par la pauvreté, la violence et un accès limité aux ressources de base, leur résilience, spiritualité et fierté restent intactes. Cette chevauchée spirituelle, Omaka Tokatakiya (Future Generations Ride), est un rituel de transmission où anciens et jeunes partagent savoirs, traditions et force collective, loin des stéréotypes médiatiques.
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Des pépites dans le goudron ! Un roadtrip brut en Amérique
Camille Lavaud benito, Matthieu Morin
- Frémok
- Knock Outsider
- 3 Octobre 2019
- 9782390220176
6 mois, 20.000 miles, un ours, 4 hectolitres de Bud Light, 3 arrestations, des cafards géants, et douze environnements bruts à tomber sur le cul. « Des Pépites dans le Goudron ! » C'est le rêve américain d'un froggie fondu d'art brut, un vrai road-trip sur les traces d'une bande de créateurs au génie loufoque, des boires et des déboires, une ruée vers un art aussi modeste que grandiose, un Pied Nickelé au pays des Tuniques Bleues... Matthieu Morin (F, 1977) est graphiste, musicien et collectionneur d'art brut. Il se passionne en particulier pour les environnements créés par ces créateurs autodidactes de l'art. Lors d'un long road trip aux Etats-Unis, Matthieu a recueilli une matière visuelle et textuelle qui a permis la production de l'ouvrage Les Pépites dans le Goudron. Un livre personnel, ancré dans la qualité de ses rencontres et illustré par Camille Lavaud.
Matthieu Morin est aussi cofondateur du label La Belle Brute qui produit des disques de musique brute et qui n'a de cesse de défendre ces créateurs hors normes.
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Max Klinger ; le théâtre de l'étrange ; les suites gravées 1879-1915
Marie-jeanne Geyer
- Musees Strasbourg
- 24 Mai 2012
- 9782351250976
Max Klinger (1857-1920) est l'un des artistes allemands les plus fascinants de son temps. Peintre et sculpteur, c'est surtout son oeuvre gravé qui marque un tournant définitif aussi bien dans l'histoire technique du médium que dans ses thèmes et son autonomie. Il exécuta de 1878 à 1915 quatorze cycles à l'eau-forte, qui sont ses oeuvres les plus remarquables : le plus célèbre reste Paraphrase über den Fund eines Handschuhs (" Paraphrase sur la découverte d'un gant ", 1880), dont huit dessins furent exposés dès 1878 à Berlin et lui apportèrent une reconnaissance immédiate. Une belle femme y fait choir un gant dans une patinoire : Max Klinger illustre en dix planches les rêveries et fantasmes de l'homme qui l'a ramassé.
Sa technique de la gravure ainsi qu'un goût de la satire révèlent maintes affinités avec Goya : dans un univers à la fois cocasse et mystérieux, il explore la dualité entre le monde de la mythologie classique et sa sensibilité aux drames contemporains ; suicides, meurtres, adultères sont chez lui des thèmes récurrents. Un trait incisif et sûr, un sens vigoureux de la plastique mêlé d'un réalisme archaïsant confèrent une grande puissance à ses images. Ses étonnants cycles à l'eau-forte tirent leur force d'expression de la gravure qui constitue, selon lui, un véritable moyen d'expression moderne et l'authentique organe de l'imagination. Ils influencèrent en leur temps Käthe Kollwitz, Edvard Munch ou Alfred Kubin. La dimension onirique et le fort pouvoir évocateur d'un imaginaire provoquant des rencontres improbables entre rêve et réalité intéressèrent plus tard les surréalistes (leur influence sur les collages de Max Ernst est manifeste), Klee ou De Chirico qui consacra un texte à l'artiste.
Lecteur convaincu des théories darwiniennes, Max Klinger ne cesse de donner à voir la part animale de l'homme, avec ce qu'elle comporte de brutal et de sexuel. Contemporain de Freud, on trouve dans ses images singulières de puissants échos aux idées de pulsions et d'inconscient.
Grand amateur de musique - il dédie plusieurs de ses oeuvres à Brahms et Beethoven - Klinger donna à ses séries le titre générique d'" Opus " suivi d'un numéro, en référence aux compositions musicales. Le catalogue reproduit pour la première fois en français l'intégralité des " opera ", dont une grande majorité est conservée dans les collections du cabinet d'art graphique du musée d'Art moderne et contemporain de Strasbourg. Il les accompagne d'un ensemble de poèmes de Richard Dehmel, proche de l'artiste, d'un texte d'un de ses héritiers artistiques, Giorgio de Chirico, ainsi que de divers essais éclairant à la fois le contexte historique et social de l'oeuvre (la société bourgeoise wilhelminienne), sa complexité stylistique et technique, sa réception allemande et française ainsi que les résurgences tardives de sa fascinante et inquiétante étrangeté.
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Rome, Naples et Florence ; illustré par les peintres du Romantisme
Stendhal
- Diane De Selliers
- La Petite Collection
- 16 Septembre 2010
- 9782903656706
L'Italie était pour Stendhal le pays où son âme pouvait flamboyer librement et exprimer toutes les palettes de ses émotions, de ses sensations, de lui-même.
Les femmes milanaises, les premiers opéras de Rossini, Giuditta Pasta, le comte Alfieri, Canova, les vestiges de Pompéi et de Paestum, tous les personnages et les moments de vie captés dans l'instant trouvaient dans les rues de Milan, de Florence, de Bologne ou de Naples, dans les campagnes lombardes, à la lumière de l'Italie, leur pleine intensité. Cette lumière, cette intensité, cet élan de l'âme, nous avons voulu les traduire en accompagnant ce récit de voyages des peintures romantiques les plus fortes et les plus évocatrices du sentiment de la beauté suprême au coeur duquel Stendhal vibrait.
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Cet ouvrage (catalogue de l'exposition Degas et le nu au musée d'Orsay en 2012) explore l'évolution de Degas dans la pratique du nu, de l'approche académique et historique de ses débuts à l'inscription du corps dans la modernité au cours de sa longue carrière. Occupant avec les danseuses et les chevaux une place prédominante dans l'oeuvre de l'artiste, les nus sont présentés à travers toutes les techniques pratiquées par Degas, la peinture, la sculpture, le dessin, l'estampe et surtout le pastel qu'il porte à son plus haut degré d'achèvement.
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Stephan Vanfleteren Transcripts of a Sea
Stephan Vanfleteren
- Hannibal
- 20 Septembre 2025
- 9789493416215
Dans cet ouvrage qui accompagne une exposition au MSK à Gand de septembre 2025 à JANVIER 2026, Stephan Vanfleteren revient pour la première fois sur toutes ses images des 5 dernières années qui se concentrent sur la mer dans tous ses états. Entre attrait pour le danger, travail de la lumière et des reflets, il explore toutes les facettes de son sujet, qu'elle soit calme et miroitante ou tempétueuse.
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Panorama du mouvement symboliste en Europe, de ses acteurs et de ses manifestations. Il marqua la littérature et les arts des années 1880 à 1914, et fut en réaction face au pragmatisme et positivisme de l'époque, marqué par la subjectivité, l'idéalisme, une vision particulière de la place de l'homme dans l'univers, du mythe, de l'irrationnel et une recherche de passages entre les arts.
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Hubert et Jan van Eyck ; créateurs de l'agneau mystique
Albert Châtelet
- Faton
- Beaux Arts Faton
- 23 Novembre 2011
- 9782878441529
L'Agneau Mystique, le célèbre retable des frères Hubert et Jan Van Eyck, achevé en 1432 est conservé aujourd'hui à l'église Saint-Bavon de Gand pour lequel il a été conçu.
L'ouvrage présente cet ensemble majeur en offrant une analyse de sa signification comme de son style avec une très large illustration. Il cherche également à montrer ce que furent les prémices de cet art et son développement par Jan, le cadet des deux artistes.
Entre la peinture parisienne des premières années du XVe et la peinture européenne du milieu du même siècle, s'élabore avec eux une vision nouvelle essentiellement réaliste, servie par un métier éblouissant.
Le livre permet d'approcher à la fois des peintures très connues et des oeuvres plus rares.
En complément d'un exposé présentant la vie et les productions des deux artistes, des annexes réunissent les documents sur lesquels s'est appuyée la recherche et un catalogue des oeuvres qui expose les différentes hypothèses qu'elles ont pu suggérer et leurs caractères matériels.
C'est la première étude d'ensemble qui depuis les publications de James Weale (1908) et de Ludwig Baldass (1952), apporte de nombreuses nouvelles données par des analyses méthodiques des documents et des oeuvres.
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Alice au pays des merveilles ; de l'autre côté du miroir
Lewis Carroll, Pat Andréa
- Diane De Selliers
- La Grande Collection
- 7 Septembre 2006
- 9782903656331
Alice au Pays des Merveilles et De l'autre côté du Miroir, récits étroitement liés et complémentaires écrits en 1865 et en 1872, entraînent le lecteur dans un monde onirique caractérisé par le non-sens, la démesure, et le passage du monde de l'enfance à celui des adultes. Le chef-d'oeuvre de Lewis Carroll est présenté dans son intégralité et en version bilingue anglais/français, soulignant l'extrême vivacité des deux romans de Lewis Carroll, riches en jeux de mots et en calembours. Dans sa préface, Marc Lambron, écrivain et chroniqueur littéraire, apporte un éclairage nouveau sur la figure mythique d'Alice et sur la confrontation entre Lewis Carroll et Pat Andrea en relevant de nombreuses correspondances entre leurs deux univers, littéraire et pictural. Habité depuis toujours par l'archétype féminin d'Alice, Pat Andrea a réalisé pour cette édition 49 tableaux inédits au format 150 x 180 cm qui mêlent gouaches, aquarelles, crayons de couleurs, fusains, collages, feuilles d'or et d'argent. Les 210 détails reproduits dans cet ouvrage nous plongent avec force, humour et intelligence dans l'univers de Lewis Carroll. De ses tableaux émane une remarquable correspondance avec l'esprit et la lettre de ce dernier. L'héroïne carrollienne inspire à Pat Andrea une figure d'Alice à l'infini polymorphisme. Douée d'une surprenante force dramatique, son oeuvre que d'aucuns comparent à celles de Balthus ou de Bacon lui vaut d'être qualifié de " maître du déséquilibre " ou d'" impressionniste psychique ". Figure familière, Alice appartient incontestablement au panthéon de nos mythes contemporains. Femme-enfant, mi-nymphette mi-pin-up, ou petite fille ingénue et intrépide, sagace et loquace, la figure d'Alice a inspiré un grand nombre d'artistes, d'écrivains et de cinéastes du XXe siècle. Cette publication permet de redécouvrir la richesse originelle de l'héroïne des deux romans de Lewis Carroll.
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Chronicles the work of Belgian photographer John Vink, whose dedication to documenting the human experience earned him the prestigious Eugene Smith Prize
Features iconic photo series like Water in the Sahel and Peuples d'En Haut, capturing the resilience of communities facing adversity, including refugees and remote mountain cultures
Vink's journey spans decades and continents, with years spent immersing himself in Cambodian culture, offering a rare, deep perspective on the country
From Guatemala to Laos to Cambodia, Vink's photography documents marginalised communities, shedding light on global themes of identity, survival, and resilience
Published on the occasion of John Vink's retrospective exhibition at the Photography Museum in Charleroi from 7 June to 21 September 2025
Text in English, French and Dutch
This book chronicles the career of Belgian photographer John Vink, who started at Libération in 1985. His personal project Water in the Sahel won the Eugene Smith Prize in 1986, highlighting his dedication to capturing the human experience in difficult circumstances. As one of the first members of Agence VU, Vink documented refugee camps around the world.
His series Peuples d'En Haut shows the resilience and cultural identity of mountain communities, such as the Mam in Guatemala and the Hmong in Laos. After years of travelling, Vink settled in Cambodia in 2000, which allowed him to delve deeper into a culture. Now living in Brussels, he continues to inspire with his powerful visual stories that explore themes of identity and humanity. With a text contribution by Rik Van Puymbroeck. -
- Archives Dada offre enfin la publication de référence désormais incontournable sur l?'histoire de ce mouvement déterminant pour l?'évolution de l?'art au XXe siècle.
Résultat de plus de vingt ans de recherches et de collationnement de documents en langue allemande, anglaise, italienne, néerlandaise, française, voire japonaise, le présent ouvrage se présente comme un somme sur Dada, des origines à nos jours, développée en deux volumes.
Dans une première partie, Archives Dada, rassemble en un gros volume l'essentiel des textes, témoignages, communiqués, affiches, programmes, correspondances, écrits, déclarations théoriques, interviews relatifs à l'histoire de Dada de 1916 à 1924 : période d'activité du mouvement Dada. L'articulation de cette masse de documents est répartie par foyer artistique, Zurich, Paris, Berlin, Hanovre, Pays-Bas, New York, etc, à l'exception des textes traitant des prémices et des prolongements du mouvement. Dans ces sections, l'ordre des textes est regroupé autour de « noeuds » : événements, enjeux, expositions ou manifestations. Chaque texte fait l'objet d'une présentation et d'annotations par l'auteur. L'intérêt capital de cette publication réside dans l'élaboration de cet ensemble de textes inédits ou ignorés (de textes majeurs connus mais trop souvent hors d'atteinte et non traduite jusqu'ici) au travers desquels les artistes dadaïstes témoignent eux-mêmes de ce que fut ce mouvement international. Dans une seconde partie une Chroniques de Dada restitue mois par mois, avec une précision extraordinaire, la trame chronologique de l'aventure Dada, ceci de ses origines en 1916 aux années 60. Ces faits, ainsi relatés et remis dans la perspective du temps, du rythme parfois frénétique des manifestations et des rencontres souvent violentes comme dans celui du temps de la création, sont non seulement rapportés avec un luxe de détails, historiquement vérifiés, mais commentés de manière critique : éclairage qui nous en fait apprécier le juste poids et la véritable incidence. Les événements ou oeuvres les plus importants font l'objet en outre d'un développement plus approfondi, en marge de la trame chronologique. Celle-ci est divisée par années, mois et centres artistiques. -
Première monographie d'un personnage-clé de la scène artistique contemporaine, cet ouvrage de référence, abondamment illustré, propose une exploration exhaustive de l'univers de Berlinde De Bruyckere, depuis ses premières sculptures du début des années 1990 - méditations en plastique sur la figure humaine et sa chair vulnérable mais métamorphique - jusqu'à sa récente et envoûtante installation pour le Pavillon belge à la Biennale de Venise (2013). Cette monographie fascinante, qui révèle les questions philosophiques et la mémoire visuelle dont se nourrissent les oeuvres de l'artiste, retrace l'essentiel de ses 20 ans de pratique.
Conçu en étroite collaboration avec l'artiste, ce livre permet au lecteur de prendre la pleine mesure d'une oeuvre à la fois impressionnante et profondément humaine.
L'ouvrage comprend deux essais philosophiques inédits dus au philosophe et théoricien Emmanuel Alloa et à l'historienne de l'art Angela Mengoni. Gary Carrion-Murayari a bâti pour sa part une réflexion sensible sur l'oeuvre graphique de l'artiste.
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Pierre Alechinsky : les oeuvres de papier
Michel Draguet, Inga Rossi-shrimpf
- Mare & Martin
- 25 Avril 2021
- 9782362220395
Pierre Alechinsky (Bruxelles, 1927), pionnier du groupe CoBrA, est l'une des figures majeures de l'art de la seconde moitié du XXe siècle. En utilisant tout son corps pour appliquer de l'encre ou de la peinture acrylique sur de larges feuilles de papier étendues sur le sol, l'artiste a construit un style richement enraciné dans des lignes légères et sans retenue, inspiré de la calligraphie avant-gardiste japonaise. Son oeuvre a fait l'objet de nombreuses expositions à travers le monde, de la France au Japon. En ce début 2021, Pierre Alechinsky offre aux Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique une série inédite d'oeuvres sur papier. À l'occasion de cette donation exceptionnelle se tient une exposition rassemblant ses oeuvres les plus emblématiques conservées à Bruxelles.
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A toutes les époques de l'Empire chinois, le lettré. homme de culture et de pouvoir, s'est entouré d'ustensiles, riches ou savamment humbles, qui forment le support de son rêve ou les amis intimes de son raisonnement. avant de devenir objets de convoitise et de collection. Encre. pierre, pinceau, papier sont. très tût, désignés par l'expression wenfang si bao, les " quatre trésors du lettré ". Les entoure un petit monde d'accessoires - presse-papier, verseuse à eau, pot à pinceaux, pose-bâton d'encre. pose-poignet etc. - qui sont autant de chefs-d'eeuvre artisanaux dont la délicatesse s'est enrichie et diversifiée en Chine, puis au Japon, au long des millénaires. Non contente d'avoir inventé le papier et l'encre indélébile. ainsi que cet instrument au génie polyvalent qu'est le pinceau, la Chine en assure la pérennité en les confectionnant imperturbablement selon des recettes ancestrales et raffinées. Mais, depuis les années 1990. semble être entamé le déclin de l'artisanat savant. déjà remarqué au Japon. Aussi cet ouvrage s'empresse-t-il de visiter les ateliers encore actifs afin de noter en détail les gestes, de décrire les savoir-faire, en même temps qu'il déambule à travers les grandes collections aristocratiques et impériales auxquelles cette production a donné lieu, quasiment jamais exposées dans les musées qui les détiennent aujourd'hui... sans oublier de jeter un oeil aux prix de vente faramineux atteints par les plus beaux de ces objets sur les places de Hong-Kong. de New York ou de Londres. Le Trésor des Lettrés est bien la sonne qu'attendaient les connaisseurs. les amateurs de curiosités et tous ceux que fascine la culture de l'Extrême-Orient. Mais pas seulement. Après avoir accumulé pendant plus de trente ans les informations sur les techniques. l'histoire et les styles qui font la richesse de la papeterie chinoise et japonaise, l'auteur livre ici tous ses secrets. dont le plus précieux : parce que la composition des objets de la calligraphie et de la peinture repose strictement sur des matières naturelles, le connaisseur qui les manipule y voit un sésame pour la relation homme-univers, cette notion d'harmonie générale qui est le fondement de la pensée extrême-orientale. L'encre, la pierre, le pinceau et le papier, ainsi que tous les accessoires qui les entourent, sont. depuis fort longtemps, appelés des " trésors ". Ce livre nous dit que c'était doublement vrai.
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Les yeux des hommes ou des bêtes sont les témoins de ce qui est parfois l'imminence d'un trop plein. Parfois, il arrive que l'un de ces regards troue l'image et que le spectateur se sente regardé.
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Maisons closes parisiennes ; architectures immorales des années 1930
Paul Teyssier
- Éditions Parigramme
- 30 Septembre 2010
- 9782840966043
Existe-t-il un programme architectural de la maison close parisienne ? Fermée sur le monde extérieur, la maison de l'entre-deux-guerres veut ouvrir sur de multiples horizons et soigne en conséquence sa distribution, ses agencements et ses décors. Fouillant les entrailles de « ces machines à plaisir », Paul Teyssier en décrit le cheminement labyrinthique, enchainant seuils, sas, couloirs, longues séquences de petits et de grands salons, d'escaliers et de chambres. À ce dispositif s'ajoute celui des coulisses, inaccessibles à la clientèle, prévoyant vestiaires, loges, chambres des pensionnaires, réfectoire, cabinet médical... Empruntant beaucoup à des structures plus conventionnelles (le couvent, le théâtre, la prison...), la maison close doit obéir à des prescriptions administratives et hygiénistes, multipliant les références historiques et intégrant les dispositifs de confort les plus modernes. Elle s'inscrit non seulement dans l'ordre du commerce de la consommation charnelle, mais plus largement dans la sphère des loisirs, partageant les innovations des dancings, du cinéma, des grands cafés dont elle est souvent la voisine. Cette « architecture inversée » se révèle dans les plans conservés aux archives de la Police que l'auteur a soigneusement étudiés. Ces documents traduisent la réalité du système construit du sexe avec ses codes, ses obligations règlementaires et ses répétitions formelles.
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Une monographie unique d'un des plus grands peintres flamands du 16e siècle.
Bernard van Orley a occupé une place fondamentale dans la vie artistique de Bruxelles et des Pays-Bas méridionaux durant la première moitié du seizième siècle. Peintre de sujets religieux et de portraits, peintre de la cour de Marguerite d'Autriche d'abord et Marie de Hongrie ensuite, auteur de nombreux projets pour des tapisseries et des vitraux, comblé de commandes, l'artiste fut très jeune à la tête d'un des plus grands ateliers de l'époque. Profondément imprégné par la tradition bruxelloise et le style "narratif" qui la caractérise, Van Orley montrera une extraordinaire capacité à intégrer de manière personnelle et inventive les influences les plus modernes de son époque - Raphaël et Dürer entre autres.
Un catalogue de référence richement illustré rassemblant plus de 230 oeuvres.
Il abordera les différents domaines de création de Van Orley (peinture, tapisserie, vitrail) mais également le milieu dans lequel il évolué, en insistant sur son activité comme peintre de la cour.
Présentant l'ensemble de son oeuvre connu, incluant tant le corpus présent à l'exposition que les oeuvres qui n'auront pu voyager pour l'occasion, il fera également office de monographie de référence consacrée à l'artiste, venant ainsi combler une lacune dans le monde de l'édition.
