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En 2021, j'ai fait la connaissance de Michel Ciment, auteur et critique historique de la cinéphilie internationale et acteur notoire de la revue Positif. J'ai été très touché par son approche éclectique et humaniste du cinéma, sa grande finesse, sa curiosité et son intérêt pour tous les arts autour du cinéma. « Go west » recueille 26 entretiens avec les différentes générations des cinéastes à Hollywood, de Fritz Lang à Quentin Tarantino, et représente ainsi le dialogue de Michel Ciment avec les réalisateurs américains sur une cinquantaine d'années. Avec ce livre, je souhaiterais en tant qu'éditeur partager avec les nouvelles générations de cinéphiles, mais aussi les cinéphiles plus chevronnés, le travail de Michel Ciment, de la revue Positif, de ce pan de la cinéphilie reconnue dans le monde entier - mais aujourd'hui confrontée au défi continu de la transmission du savoir dans une histoire des formes mise à mal par l'ultra-industrie culturelle et sa surproduction, l'amnésie qu'elle charrie avec sa dictature du présent. Il n'existe pas de vieux films, de vieux livres ou de vieux auteurs ; seulement des oeuvres que l'on a pas découvertes. Michel Ciment était avant tout un passeur ; par son travail il appartient à une communauté d'individus, de Lumières, si précieuses pour leurs contemporains et les futures générations. Des Lumières qu'il nous appartient aujourd'hui de maintenir allumées en allant toujours vers ce que l'on ne connaît pas encore. Vers L'Ouest.
Réalisateurs interviewés : Budd Boetticher, Richard Fleischer, Fritz Lang, Gordon Douglas, Howard hHawks, Otto Preminger, Richard brooks, John Frankenheimer, Irvin Kershner, Sidney Lumet, Robert Mullligan, Arthur Penn, Franklin J. Schaffner, Robert Altman, Francis Ford Coppola, Alan J. Pakula, Martin Scorsese, Michael Cimino, Sydney Pollack, Oliver Stone, Woody Allen, Tim Burton, les Frères Cohen, James Gray, Steven Soderbergh, Quentin Tarantino. Note : En préface de « Go west », un entretien entre Michel Ciment et Julien Magnani. -
Entre son premier court-métrage, Saute ma ville (1968), et No home movie (2015), Chantal Akerman (1950-2015) a réalisé plus de 40 films. Le retentissement de Jeanne Dielman, 23, quai du commerce, 1080, Bruxelles, chef-d'oeuvre de près de 4 heures qu'elle tourne à l'âge de 25 ans avec Delphine Seyrig, lui assure une notoriété immédiate. Le rôle que les femmes occupent dans son oeuvre lui vaut d'être identifiée comme une cinéaste féministe, adjectif qu'elle accueillait volontiers mais avec réserve, comme toute espèce d'assignation. Chantal Akerman est également la première cinéaste, dès les années 1990, à investir les lieux de l'art contemporain?: ses installations continuent d'être exposées dans les galeries et musées du monde entier.
Son oeuvre cinématographique se double d'une importante oeuvre écrite, que nous publions dans sa quasi intégralité et dont nous avons confié l'organisation à Cyril Béghin. Cette somme de près de 1600 pages se présente sous la forme de trois volumes réunis dans un coffret?: deux volumes chronologiques (1968-1991 et 1991-2015), consacrés strictement aux textes d'Akerman, et un troisième qui rassemble l'édition critique. Ce parti pris vise à laisser se développer l'écriture de la cinéaste avec ses articulations et son rythme propres, sans intervention extérieure. Les textes des deux «?volumes Akerman?» comprennent des scénarios, des synopsis, des notes d'intention, des textes pour les voix off de ses films, mais également des entretiens, des documents de travail, tous pour l'essentiel inédits. Ils incluent également quatre livres publiés du vivant d'Akerman?: une pièce de théâtre, Hall de nuit (1992), deux récits, Une famille à Bruxelles (1998) et Ma mère rit (2013), et une autobiographie, «?Le frigidaire est vide. On peut le remplir?» (dans Autoportrait en cinéaste, 2004).
oeuvre écrite et parlée, le titre de l'ensemble, donne toute sa place au rôle de la voix et de la parole dans l'écriture d'Akerman. Par leur rythme, leur ponctuation, la liberté de leur syntaxe, leur adresse comme «?à la cantonade?», par le «?ressassement?» qu'elle invoque elle-même comme une manie et un principe constructif, ses textes portent la marque de sa voix (imprimée en cyan dans le livre), et de l'absolue modernité de son oeuvre. Les deux premiers volumes s'accompagnent d'une importante iconographie, composée de photographies de repérage ou de tournage, de documents d'archives, de fac-similés, et de photogrammes de films inédits. Le troisième volume se présente sans image, et dans une mise en page différente.
La parution d'oeuvre écrite et parlée coïncide avec de nombreux événements consacrés à Chantal Akerman?: une exposition anthologique à BOZAR (Bruxelles) et la rétrospective de ses films organisée par la Cinematek de Belgique à partir de mars 2024?; la reprise, en septembre 2024, de l'exposition à la Galerie nationale du Jeu de Paume, à Paris, qu'accompagneront une rétrospective et l'édition intégrale de ses films par Capricci. Parmi d'autres -
La dramaturgie : L'art du récit
Yves Lavandier
- Impressions Nouvelles
- Traverses
- 22 Mars 2024
- 9782390701149
La Dramaturgie fait aujourd'hui l'objet d'une nouvelle édition aux Impressions Nouvelles. Yves Lavandier a révisé son livre pour l'occasion. Il s'adresse en priorité aux dramaturges et aux scénaristes (débutants comme professionnels), mais il intéressera tous les partenaires des arts du récit, acteurs, producteurs, metteurs en scène, dessinateurs, et même les spectateurs curieux de mieux comprendre le théâtre, le cinéma ou la bande dessinée, et les rapports que ces arts entretiennent avec la vie.
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Nouv.
Construire un récit
Yves Lavandier
- Impressions Nouvelles
- Reflexions Faites
- 30 Août 2024
- 9782390701613
Dans Construire un récit, Yves Lavandier propose une méthode par étapes, claire et complète. Cette méthode découle à la fois de la compréhension des mécanismes narratifs et de l'expérience d'auteur, pédagogue et script doctor d'Yves Lavandier. Les exemples sont principalement puisés dans le répertoire dramatique : théâtre, cinéma, télévision et bande dessinée.
« Comme La Dramaturgie, ce livre est rempli de règles. Elles n'ont pas été décrétées par Hollywood. Pour la plupart, elles sont liées à la vie des organismes vivants et existent depuis la nuit des temps. (...) Mon ambition est de permettre aux auteurs qui veulent raconter une histoire de transmettre leur pensée et leur univers tout en captivant le récepteur de leur art. »
Apprenez à concevoir les fondations de votre histoire et à maîtriser des outils aussi variés que les jalons, la structure enrichie ou les sous-intrigues thématiques. Découvrez comment créer la trajectoire interne d'un personnage et comment la théorie fractale peut être appliquée à l'écriture d'un récit. Voyez comment éviter les facilités et les deus ex machina. Maîtrisez l'installation et l'exploitation de ce puissant outil qu'est l'ironie dramatique. Trouvez des centaines d'astuces sur le sens, la comédie, le pitch, les fins, la caractérisation, les méchants, les enjeux,... -
La comédie est plus qu'un genre ou une catégorie d'oeuvre. Avec le traitement sérieux, c'est l'une des deux seules façons de rendre compte des choses de la vie. C'est également une technique aux mécanismes spécifiques.
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Claude Miller, une vie de films
Olivier Curchod
- Impressions Nouvelles
- Traverses
- 5 Janvier 2024
- 9782390700982
De La Meilleure Facon de marcher a` The´re`se Desqueyroux en passant par Garde a` vue, Mortelle randonnée, L'Effronte´e, Claude Miller (1942-2012) est l'auteur de dix-sept longs me´trages. Plusieurs de ses films ont connu un énorme succe`s public et critique, beaucoup ont e´te´ nomine´s ou couronne´s aux Ce´sar, et honore´s dans des festivals du monde entier.
Claude Miller, une vie de films est le re´cit d'un cine´aste au travail, une vie ve´cue a` travers les films, depuis l'apprentissage de la cine´philie dans une banlieue ouvrie`re au lendemain de la guerre, la formation a` l'Idhec en pleine Nouvelle Vague, l'assistanat au co^te´ de monstres sacre´s comme Robert Bresson, Jean-Luc Godard ou Franc¸ois Truffaut, jusqu'au dernier film re´alise´ malgre´ la maladie qui devait l'emporter. -
« Expérience nouvelle, voyage dans mes souvenirs, j'ai eu besoin d'images pour écrire. Le livre en noir et blanc et en couleurs est très illustré, très varié, très conforme à mes réflexions mêlées d'anecdotes. Il est question de cinécriture, de montage, de documentaires et de fictions. » Ainsi parlait Agnès Varda de ce livre publié en 1994, et depuis longtemps épuisé. C'est pourquoi nous avons décidé de le rééditer, et de lui offrir une suite dans ce second volume rassemblant les films qu'elle a réalisés entre 1994 et 2019. L'ensemble est présenté dans ce coffret, riche des paroles d'Agnès et de plus de 1 000 documents, pour la plupart issus des archives de Ciné-Tamaris, la société qu'elle avait créée.
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Réaliser un film a deux
Louis Heliot
- Impressions Nouvelles
- Cameras Subjectives
- 17 Mai 2024
- 9782390701408
L'histoire du cinéma retient quelques duos de cinéastes mythiques qui ont construit une oeuvre en la réalisant à deux : Michael Powell et Emeric Pressburger, les frères Paolo et Vittorio Taviani, les frères Joel et Ethan Coen, Joana Hadjithomas et Khalil Joreige, Jean-Luc Godard et Anne-Marie Miéville, Jean-Marie Straub et Danièle Huillet, Olivier Nakache et Éric Toledano, et bien sûr les frères Jean-Pierre et Luc Dardenne.
À une époque qui tend à l'individualisme, qui pousse chacun à l'affirmation de son identité et de sa spécificité, certains cinéastes développent un corpus d'oeuvres en binôme, parfois en couple, parfois entre amis, parfois entre frères et soeurs.
À travers ces entretiens, Dominique Abel et Fiona Gordon, Benoît Delépine et Gustave Kervern, les frères Jean-Marie et Arnaud Larrieu, les soeurs Delphine et Muriel Coulin, Vincent Patar et Stéphane Aubier, Olivier Ducastel et Jacques Martineau, Hélène Cattet et Bruno Forzani, Marie-Clémence et César Paes reviennent sur leur parcours artistique et sur leur rencontre, leurs méthodes de travail, leur répartition des tâches dans la fabrication d'un film, en pointant les avantages et les écueils à réaliser un film à deux. -
Mercredi Addams : Icone gothique
Fleur Hopkins-Loferon
- Impressions Nouvelles
- La Fabrique Des Heros
- 3 Novembre 2023
- 9782390700883
À ses débuts, en 1944, dans les dessins que Charles Addams publie dans le New Yorker, MERCREDI ADDAMS n'est encore qu'une petite fille mélancolique aux longues tresses sombres dont les apparitions, aux côtés de son père, Gomez, ou de sa mère, Morticia, sont construites sur le décalage entre l'amour filial témoigné et le monde lugubre dans lequel évoluent ces insolites personnages. Au fil des décennies et des adaptations (films, dessins animés et séries à succès), Mercredi, tout en entrant dans l'adolescence, devient le membre le plus notable de la célèbre Famille Addams. Si son occupation préférée est de torturer son frère Pugsley, elle se démarque des autres protagonistes par son intelligence froide et calculatrice, sa déstabilisante maturité et son absence d'empathie qui en font, paradoxalement, un personnage attachant. Inadaptée à la vie en communauté, Mercredi Addams comprend mieux ses rouages que les adultes qui l'entourent. Icône gothique disruptive et toujours en mouvement, elle interroge l'uniformisation des modes de vie américaine et renverse, de façon aussi caustique que jubilatoire, les idéologies et préjugés de ses contemporains par son regard sans concession sur le quotidien.
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Artmedia, une histoire du cinéma français
Dominique Besnehard, Nedjma Van Egmond
- L'Observatoire
- 7 Avril 2021
- 9791032915967
Catherine Deneuve et François Truffaut, Gérard Depardieu et Patrick Dewaere, Isabelle Adjani et Jean-Paul Belmondo, Alain Resnais et Romy Schneider, Sophie Marceau et Vincent Lindon... : tous et toutes ont été les clients d'Artmedia, l'une des plus prestigieuses agences artistiques, qui a inspiré à Dominique Besnehard - son agent vedette - la série à succès Dix pour cent. Agence mythique, Artmedia a révolutionné le métier d'impresario, celui d'acteur et le septième art, composant au plus haut de sa gloire 80 % des génériques français.
Mais plus qu'une agence, Artmedia est à la fois la pierre angulaire et l'âme du cinéma. Créée par Gérard Lebovici en 1970, elle est rapidement devenue incontournable. Ce que l'on connait moins, c'est le destin incroyablement romanesque de cette institution, qui est indissociable de celui de ses dirigeants : le "roi Lebo" , son fondateur, fils de déportés sans qui aucun film n'était possible ou presque dans les décennies 1970 et 1980, et dont le meurtre mystérieux, en 1984, ne fut jamais élucidé.
Jean-Louis Livi, enfant d'ouvrier immigré, ami et agent des plus grands devenu un producteur français majeur. Et Bertrand de Labbey, descendant d'aristocrate peu fortuné, comptant parmi les plus puissants entrepreneurs de la musique et du cinéma, avec à ses côtés Julien Clerc, Jamel Debbouze, ou aujourd'hui Jean Dujardin. Trois destins qui retracent l'histoire du cinéma, et nous offre un ticket d'entrée inédit dans ses coulisses, au-delà des projecteurs, là où tout se décide et se joue.
Plus de cinquante ans après sa création, Jean-Louis Livi et Bertrand de Labbey ont accepté de se livrer sur ces années pour raconter leur Artmedia, au côté d'une quinzaine d'agents, sortis de l'ombre pour l'occasion, et des grands noms du métier : Fanny Ardant, Nathalie Baye, Francis Huster, François Ozon, Thierry Frémaux, Francis Veber, Xavier Beauvois ou Kad Merad, et plus encore.
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Le film de Chantal Akerman, Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles, a été désigné meilleur film de tous les temps par le magazine Sight and Sound. Avec son style unique et très personnel, la réalisatrice belge a transformé le monde du cinéma et de l'art. Ce livre est un portrait posthume de Chantal Akerman en tant que cinéaste moderne, avec des contributions de personnes qui l'ont admirée et ont travaillé en étroite collaboration avec elle. La cinéaste et artiste Chantal Akerman était l'une des réalisatrices les plus audacieuses de sa génération. Son oeuvre brouille les frontières du temps et de l'espace, du cinéma et de l'art. On peut voir ses films dans les cinémas et les musées du monde entier. Si elle est largement inconnue du grand public, elle est vénérée par les cinéphiles, les artistes visuels et les cinéastes. L'impact de son oeuvre sur le cinéma mondial est apparu clairement lorsque Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles a été nommé meilleur film de tous les temps par le magazine britannique Sight and Sound.En 2024, Bozar-Palais des Beaux-Arts, le Jeu de Paume et CINEMATEK rendent hommage à Chantal Akerman en organisant la première grande exposition sur l'artiste bruxelloise. Le livre qui accompagne l'exposition présente les personnes qui ont été ses plus proches et qui peuvent apporter un éclairage unique, notamment les personnes qui ont travaillé avec elle ou qui ont été inspirées par elle.
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L'alcool au cinéma en 40 films !
Premier livre en français consacré à l'alcool au cinéma, « SHOTS! ALCOOL & CINÉMA », a été pensé par Dick Tomasovic sous la forme d'un catalogue irraisonné, sans souci d'exhaustivité (impossible sur un tel sujet). Cet essai addictif, richement illustré, s'organise autour d'une quarantaine de « shots » emblématiques des problématiques relatives à la représentation de l'alcool au cinéma. Présentés dans un ordre chronologique, ces shots laissent deviner une véritable histoire évolutive des moeurs et de la place de l'alcool dans nos sociétés. Ils constituent aussi un voyage réjouissant et stimulant entre les films, les cinéastes et les images issus de notre mémoire collective cinéphilique.
Vider son verre. Crever l'écran.
À la fois sujet, motif et figure de prédilection du cinéma, l'alcool est présent dès les films des premiers temps, traverse les censures et les époques pour rester encore aujourd'hui un enjeu important de la représentation du cinéma contemporain.
Personnages d'ivrognes, d'abstinents ou de contrebandiers, situations éthyliques comiques ou tragiques, symbole de virilité et de force de caractère ou signe de faiblesse psychologique et de déchéance morale, l'alcool garde au cinéma ses qualités polymorphes, ses fonctions ambivalentes et ses valeurs ambigües. Les images de l'alcool, plaisantes ou répugnantes, structurent l'imaginaire et les conceptions du spectateur, bien avant qu'il ne devienne consommateur. Le cinéma donne le goût de l'alcool. Mais l'alcool donne aussi le goût du cinéma en lui offrant des situations homériques, des personnages magnifiques et des images poétiques. Car filmer l'alcool, c'est filmer l'ivresse. Cet ouvrage s'intéresse aux mises en scène de l'alcool, à la manière dont l'alcool, et ses usages, dynamise le cinéma, quitte à troubler ses formes narratives et figuratives. Passant en revue des dizaines de films issus de l'histoire du cinéma et d'innombrables scènes inoubliables, de Méliès à Ozu, d'Hitchcock à Cassavetes, des Tontons flingueurs aux Bronzés, de Jackie Chan à Mickey Rourke, de James Bond à Roger Rabbit et de Rio Bravo à Springbreakers, cet essai, revigorant, abreuvera les cinéphiles assoiffés. -
Le cinéma d'animation en 100 films
Xavier Kawa-Topor, Philippe Moins
- Capricci
- 16 Juin 2016
- 9791023901108
De Walt Disney à Hayao Miyazaki en passant par Paul Grimault, Jan Švankmajer ou encore Bill Plympton, comment découvrir ce continent extraordinaire qu'est le cinéma d'animation ?
Le Cinéma d'animation en 100 films propose un parcours chronologique à travers 100 films qui ont marqué l'histoire de l'animation. Chefs-d'oeuvre reconnus ou films oubliés, projets artistiquement ou économiquement audacieux, marquant un tournant historique ou une impasse apparente : ce sont aussi 100 aventures cinématographiques qui sont racontées, avec une attention particulière aux circonstances de production et de réalisation des films, à leurs enjeux esthétiques et à leurs auteurs. Le panorama est vaste : historique (des origines à nos jours), géographique (de l'Afrique au Japon), esthétique (du cinéma expérimental aux productions commerciales), technique (de la pâte à modeler aux images de synthèse).
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Deux séjours à Berlin, en été puis en automne, vont sensiblement changer l'existence de Bernart, un professeur des collèges nouvellement à la retraite. Peu préparé, il appréhende avec inquiétude cette nouvelle vie. Le premier voyage s'organise autour des souvenirs de quelques jours passés en RDA, alors qu'il n'était encore qu'un adolescent. à Berlin, il cherche les traces de sa jeunesse, les traces d'un Berlin qu'il n'a en réalité pas connu, celles d'une histoire qui est la sienne sans pour autant lui appartenir, l'histoire d'une ville détruite puis séparée en deux. Ordonnant ses notes et ses photos, il comprend progressivement combien les films de Wenders font partie de sa vie. Il se met alors en tête de repartir à Berlin, d'y retrouver les lieux de tournage des deux principaux films que le cinéaste y a réalisés, Les Ailes du désir et Si loin, si proche !. Troisième volet d'une trilogie des villes et des lieux, après Antonioni / Ferrare et Jean-Pierre et Luc Dardenne / Seraing,Wenders / Berlin tente de répondre à deux questions : comment écrire autrement sur le cinéma ? Comment associer la vie et le cinéma dans un même mouvement ? Plutôt que de s'appuyer sur des films, Thierry Roche part de la ville elle-même et des lieux de tournage pour tenter de comprendre comment des histoires inventées trouvent à s'inscrire dans la réalité du paysage. L'hypothèse est que la vie et le cinéma, c'est la même chose. Le recours à un personnage de fiction est comme un point d'aboutissement, montrant l'intrication entre la vie et le cinéma, entre la réalité et nos imaginaires. De ce point de vue, ce livre est, à la lettre, un essai. Le travail de Guy Jungblut fait totalement partie du projet. Son regard sur la ville a guidé le texte. Les photos sont le plus souvent le moteur de la narration ; d'autres épousent le texte, dans un dialogue incessant et fructueux.
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Comment tourner autour du pot ? Trône souillé, les toilettes offrent aux cinéastes un objet par trop infâme pour ne pas le regarder sans cligner des yeux. Cela explique sa durable absence des écrans : réellement entrée au cinéma avec Psychose d'Alfred Hitchcock, en 1960, la cuvette continue d'en meubler des coins rarement filmés, et alors avec cérémonie.
Ce livre suit l'histoire de cet attrait contrarié. Anthologie plombière, il recense quelques dizaines de sièges ou de fosses d'où émanent des signes maudits et les relents d'une terreur archaïque qu'aucune transgression ne peut vraiment dompter. De la tentative de banalisation entreprise par Stanley Kubrick à l'euphorie de l'égout entretenue par Quentin Tarantino ou Robert Rodriguez ; de la place que la comédie américaine a réservé aux lieux saints au théâtre sexuel en quoi les transforment les comédies queer, de la sublimation spéculative d'Une sale histoire de Jean Eustache à l'avilissement fécal d'Il est difficile d'être un dieu d'Alexeï Guerman, ces pages couvrent assez de trous pour hasarder quelques hypothèses sur ce que de tels regards torves disent de notre modernité hygiéniste. Car si l'on a souvent pointé la contemporanéité de l'invention des frères Lumière avec la psychanalyse, la radio, les rayons X ou les aquariums, on s'est rarement penché sur sa communauté de berceau avec le tout-à-l'égout, pierre de touche de la révolution sanitaire ayant abouti aux disciplines fécales des siècles industriels. Une telle concomittance pousse l'auteur à croire qu'il peut faire un observatoire de ce sanctuaire tombal, parce que, fosse commune des vanités privées, les béances tuyautières éclairent de leur malédiction deux phénomènes au fondement de ce qui fut l'ordre bourgeois : le sacre de l'individu et la croyance en une maîtrise sans reste de l'environnement. Ce refuge où chaque sujet se dérobe aux regards pour liquider ses reliquats conditionne l'apparition des prométhées démocratiques du vingtième siècle. C'est du moins ce que laisse songer la contemplation du monde à travers la lunette telle qu'on la trouve chez Tsaï Ming-liang, Jean-Luc Godard, David Cronenberg ou Alain Cavalier, qui en font autant le dernier bastion d'un cinéma digérant son passé que le seul isoloir qui vaille pour les derniers des hommes. Avec eux et d'autres, le livre s'efforce de jeter les bases d'une scatocritique transformant en indices de fèces tous les détours propres à l'esthétique excrémentielle, où les toilettes signifient le fécal en lui faisant écran. Par là, et non sans audace dans ses raccourcis, il entend montrer que le sort figuratif réservé au trône dit quelque chose de l'hygiénisme aux commandes de bien des politiques écologiques actuelles, parce que dans la cuvette se cristallise le mythe de la suppression de l'incompressible à la racine du refoulement des externalités industrielles. Pour le dire en un langage empruntant sa forme à sa matière, les chiottes nous disent dans quelle merde nous sommes. -
Le Paris de François Truffaut
Philippe Lombard
- Parigramme
- Photos Petits Prix
- 24 Mai 2018
- 9782373950489
De l'appartement familial des Quatre Cents Coups au Gaumont-Palace aperçu dans Domicile conjugal et au théâtre Saint-Georges du Dernier Métro, François Truffaut a utilisé dans ses films de nombreux décors de son quartier d'enfance, entre Pigalle et la place de Clichy. Le réalisateur ne s'aventure qu'exceptionnellement sur la rive gauche, dont l'existence n'est guère attestée que par de lointaines apparitions de la tour Eiffel.
Si l'oeuvre de Truffaut est plus poétique que documentaire, elle offre cependant au spectateur d'aujourd'hui de contempler un Paris où les portes cochères ne sont pas encore condamnées par des digicodes, un Paris où le téléphone se trouve au café d'en bas, un Paris où le laitier dépose ses bouteilles à l'aube devant le rideau de fer des crèmeries... Un Paris dont le cinéma est le dernier refuge.
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Henri Storck et les peintres ostendais : Ensor, Spilliaert et Permeke
Henri Storck
- Snoeck Gent
- 7 Mars 2024
- 9789461618795
Henri Storck est un cinéaste surtout documentariste belge né à Ostende le 5 septembre 1907 et mort à Uccle (Bruxelles) le 17 septembre 1999. Auteur de plus de soixante films, célèbre pour des courts-métrages comme Misère au Borinage, son nom reste associé durablement à l'école documentaire belge, des essais documentaires d'avant-garde sur sa ville natale puis, il expérimente le found footage et réalise quelques films militants. Il travaille pendant l'occupation allemande. À la Libération, il devient en Belgique un cinéaste au statut quasi officiel, le Père du documentaire belge. Il a inspiré de nombreux cinéastes belges et les frères Dardenne, recevant la palme d'or pour Rosetta, lui ont rendu hommage. Henri Storck est aussi l'un des pionniers du film sur l'art. Dès 1944, il filme quelques tableaux de Paul Delvaux, dont il évoque avec intensité l'univers onirique. Comme ostendais il a bien connu, filmé et photographier souvent les 'peintres ostendais' : Ensor, Spilliaert et Permeke. Ce livre est édité en partenariat avec le Fonds Henri Storck, MUzee (Ostende) et le musée de la photographie (Charleroi) dans le contexte de 'l'année Ensor'
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Westerns, films noirs, comédies... Muet, parlant, noir et blanc, couleur... Un premier film en 1914, un dernier en 1964, plus de cent trente films en tout... Par quel bout prendre Raoul Walsh?
Une filmographie monstre, une autobiographie (Un demi-siècle à Hollywood) d'une telle densité que l'exercice biographique aurait peu de sens, une variété de thèmes et de genres rendant l'exercice critique et monographique sans fin...
Alors, le prendre par là: à l'instar des relations entre John Wayne et John Ford, Katharine Hepburn et George Cukor, James Stewart et Alfred Hitchcock, Walsh a nourri de longs partenariats avec certains acteurs, parmi les plus essentiels d'Hollywood, chacun jouant un rôle précis dans son cinéma.
Raoul Walsh - En jeux est une visite de la filmographie de ce génial borgne à travers ces collaborations formant une odyssée américaine, depuis son propre rôle dans Naissance d'une nation de David Wark Griffith, jusqu'à son ultime chef-d'oeuvre, A Distant Trumpet, unique collaboration avec Troy Donahue, en passant par quatre films avec James Cagney et Ida Lupino, sept avec Errol Flynn, trois avec Clark Gable... -
ACTUALITE CRITIQUE : Dieu se reposa, mais pas nous
Jérôme Momcilovic
- Capricci
- Actualite Critique
- 1 Février 2018
- 9791023902921
Une fois la caméra sortie de la chambre, qu'a fait l'homme au noeud papillon, raide sur son fauteuil comme un mannequin de cire ? La femme au visage de nacre dans le matin bleu de cobalt à Moscou, prend-elle toujours le bus au petit jour ?
De Saute ma ville, tourné à dix-huit ans en 1968, à No Home Movie en 2015, l'année de sa mort, en passant par Jeanne Dielman, News from Home ou D'Est , Chantal Akerman nous a fait habiter des lieux et rencontrer des personnages qui n'ont pas fini de nous hanter. Ce livre est un hommage à l'intensité sans égale de son cinéma.
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Denis Lavant est l'une des figures les plus singulières du théâtre et du cinéma français. Dans ce formidable autoportrait, il évoque de manière sincère et généreuse ceux qui ont le plus compté dans son parcours : Antoine Vitez et Leos Carax, Bernard Sobel et Claire Denis, Louis-Ferdinand Céline et Samuel Beckett...
Il rend hommage aux Enfants du Paradis, à Charles Chaplin et au mime Marceau, à Pasolini et à Rimbaud.
Inoubliable interprète des Amants du Pont-Neuf et Holy Motors, remarquable lecteur, Denis Lavant est aussi un acteur très physique, fasciné par le cirque et les arts de la rue.
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Menjant garotes [en mangeant des oursins] de Luis Bunuel
Jordi Xifra
- Yellow Now
- Cote Films
- 20 Octobre 2023
- 9782873405014
Quatre minutes et treize plans seulement - sans paroles, sans intertitres ni le moindre son - composent Menjant Garotes (En mangeant des oursins), cet inédit de Luis Buñuel réalisé en 1930, pendant le tournage de L'Âge d'or, et retrouvé dans une boîte à biscuits, en 1988, après avoir passé soixante ans dans un placard. Portrait documentaire discrètement ironique du père de Salvador Dalí, notable de province, et de son épouse, filmés dans leur demeure cossue dominant la plage du Llané, à Cadaqués, cet étrange objet f ilmique, manifestement inspiré par le naturalisme du Kammerspiel allemand, présente à première vue toutes les caractéristiques du film de famille, voire d'un home movie amateur. De fait, devant l'évidente platitude d'un quotidien aisé et l'insignifiante répétition des gestes familiers - faire tourner le phonographe, lire au salon, bercés par un rocking-chair, arroser les plantes, déjeuner au jardin - de ce très court métrage, si peu spectaculaire, il n'y aurait en apparence rien à signaler et encore moins à raconter. Telle est bien la prouesse de ce petit essai érudit, en forme d'archéologie d'un film fossile, celle de nous tenir en haleine jusqu'au bout, comme on lirait une enquête policière. Jordi Xifra y démontre que loin d'être un accident, voire une anomalie, Menjant Garotes s'inscrit rigoureusement dans l'oeuvre du cinéaste au point d'apparaître comme la matrice de tous ses films à venir, scrutant ce couple de grands bourgeois à la manière d'un entomologiste comme il aurait aimé filmer les scorpions. Entre autres documents, l'ouvrage propose au lecteur un lien lui permettant à son tour de découvrir ce film insolite
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Jeanne Dielman 23, quai du commerce, 1080 bruxelles de chantal akerman - cote films #41
Corinne Maury
- Yellow Now
- 8 Octobre 2020
- 9782873404604
Jeanne, veuve d'une quarantaine d'année, vit avec son fils Sylvain. Elle prépare le repas, range la chambre, se prostitue, se lave, fait la vaisselle. Dans Jeanne Dielman, 23, quai du commerce, 1080 Bruxelles, Chantal Akerman compose un inventaire actif de l'économie domestique, où le scénario gestuel supplante le scénario à histoire. Dans ce huis-clos, qui s'écoule sur une période de trois jours, Chantal Akerman confère au récit la puissance d'une enquête où le quotidien, sans être le principal suspect, est également suspecté. Dans cette histoire sans histoire, traversée par une gestuelle méticuleuse et machinale, rien ne déborde mais tout couve.
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L'atelier du scénariste ; vingt secrets de fabrication
Luc Dellisse
- Impressions Nouvelles
- Reflexions Faites
- 16 Septembre 2009
- 9782874490781
L'Atelier du scénariste examine l'écriture pour le cinéma, du point de vue du métier comme de la création.
Le métier ? C'est la maîtrise d'un langage particulier, et l'utilisation de principes narratifs souvent méconnus. La création C'est la dimension personnelle, à la fois originale, féconde et universelle, que certains scénaristes parviennent à apporter, malgré les conditions économiques et les lois du genre. On découvrira ici comment rédiger un synopsis et une continuité dialoguée, comment concevoir un protagoniste, comment distinguer l'épaisseur d'une histoire de la simple trame du récit.
Cet ouvrage propose des principes utiles dans le cas d'une adaptation, il veille à distinguer le protagoniste du héros et l'antagoniste de l'ennemi, précise la fonction de la voix off et les ressources du flash back, révèle qu'un prologue peut contenir le secret d'un film tout entier - et bien d'autres choses encore. Il fournit aussi des conseils aux jeunes scénaristes, un plan de travail pour les enseignants, et des aperçus sur le rapport entre le scénario et la vie.
Des exemples nombreux - puisés dans les films classiques de Billy Wilder et Jean-Pierre Melville, dans Le Mépris et Le Satyricon, mais aussi chez Pedro Almodovar, Clint Eastwood, David Lynch et Jacques Audiard ou dans les exploits d'Indiana Jones et de Spiderman - enrichissent cet essai qui envisage le scénariste comme un auteur à part entière, et remet l'écriture au centre du processus de création.
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Hollywood, la cité des femmes ; histoires des actrices de l'âge d'or d'Hollywood, 1930-1955
Antoine Sire
- Actes Sud
- Institut Lumiere
- 26 Octobre 2016
- 9782330068516
Hollywood, la cité des femmes est le premier livre à décrire avec précision la trajectoire des femmes qui ont construit le mythe hollywoodien. D'une plume érudite et passionnée, l'auteur évoque plus d'une centaine d'actrices et ouvre sur une nouvelle lecture de l'histoire d'Hollywood, à travers le rôle des femmes.
![Menjant garotes [en mangeant des oursins] de Luis Bunuel](https://images.epagine.fr/014/9782873405014_1_m.jpg "Menjant garotes [en mangeant des oursins] de Luis Bunuel")
