Son unique obsession était la peinture : elle était son souffle, son sang.
Quand Nicolas de Staël (1914-1955) se donna la mort, à quarante et un ans, il laissait plus de mille tableaux, autant de dessins, et l'énigme d'une vie menée au galop. Insolent et généreux, Staël savait masquer sous le rire les failles d'une enfance brisée par la révolution russe de 1917 et les rigueurs d'un exil polonais.
La reconnaissance arriva des États-Unis, alors qu'il avait trente-neuf ans. Trop tôt ou trop tard : il s'était déjà réfugié en Provence, écrasé de gloire, fraternisant avec René Char, brûlant sa vie. Sa morale tenait en quelques mots : « Il faut travailler beaucoup, une tonne de passion et cent grammes de patience. » Voici la chevauchée de ce prince foudroyé. Lire la suite Fermer

Les tableaux du peintre René Magritte sont souvent nés d'un dialogue avec ses proches, d'un jeu d'échanges, d'essais et d'erreurs, dans lesquels s'affermissent les intentions du peintre et se construit son vocabulaire. Loin de profiter de la notoriété croissante de leur ami, les surréalistes bruxellois ont ainsi joué un rôle clé dans la fabrique de son oeuvre, intervenant sur les titres des tableaux autant que sur leurs sujets, et forgeant avec lui le Magritte que nous connaissons.
Les textes retenus (Paul Nougé, Marcel Mariën, Jacques Wergifosse, Irène Hamoir ou Louis Scutenaire) sont présentés dans l'ordre chronologique de leur publication, pour rendre l'évolution de la pensée du peintre, et en quoi ses oeuvres ont pu se construire à l'encontre des codes de représentation de son époque.
René Magritte est né le 21 novembre 1898 en Belgique dans une famille modeste. Il étudie à l'Académie des Beaux-Arts de Bruxelles et s'oriente rapidement vers le surréalisme. Son art tentera de démontrer que l'on n'entrevoit de la réalité que son mystère, si l'on sort de notre habituelle et routinière logique. Ses oeuvres jouent souvent sur le décalage entre un objet et sa représentation. Magritte meurt à Bruxelles le 15 août 1967, après avoir peint plus de 1000 toiles. Lire la suite Fermer

Ernest Pignon-Ernest est né à Nice en 1942. Depuis 1966, il fait de la rue le lieu même d'un art éphémère qui en exalte la mémoire, les évènements ou les mythes. Il a ainsi préfiguré nombre d'expériences artistiques sollicitant l'espace du dehors.
Par la facture puissante, comme intemporelle, de ses images et l'acuité de leur inscription dans le réel (choix signifiant des sites et du moment), les interventions d'Ernest Pignon-Ernest métamorphosent les lieux en espaces plastiques, poétiques, fictionnels, réminiscents, jusqu'à faire de ces lieux et du temps l'oeuvre même.
Du Chili à Soweto, d'Alger à Naples, de Charleville à Paris, la confrontation des drames de notre temps comme l'exploration de destins individuels en rupture de norme ou de mythe à raviver font prendre à l'artiste un risque chaque fois inédit, celui-là même qui hantait Rimbaud quand il s'acharnait à trouver le lieu et la formule.
Cet ouvrage invite à un retour sur l'ensemble de l'oeuvre, tout en mettant l'accent sur les interventions récentes de l'artiste, de la restitution des extases des grandes mystiques (2008) aux évocations des fantômes de la prison Saint-Paul à Lyon (2012), en passant par un parcours sur les traces du poète palestinien Mahmoud Darwich à Ramallah (2009).
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Léon Spilliaert né à Ostende le 28 juillet 1881 et mort à Bruxelles le 23 novembre 1946 est un peintre, dessinateur, illustrateur et lithographe belge. Il a fréquenté le milieu du symbolisme belge, dont Maeterlinck et Verhaeren furent les membres les plus connus. Ses influences vont de Edvard Munch à Fernand Khnopff, mais aussi Nietzscheet Lautréamont, tandis que ses peintures ainsi que les thèmes qu'elles représentent peuvent être rapprochés de ceux d'Edward Hopper, contemporain de Spilliaert. Il fut proche de James Ensor, autre peintre belge. La galerie Patrick Derom est spécialisée dans l'art belge et européen, et plus particulièrement dans l'art symboliste et surréaliste. A l'occasion d'une vente exclusive de 21 oeuvres de Spilliaert, une publication est éditée avec des contributions de connaisseurs de ce grand peintre belge. Une exposition sur son oeuvre s'est tenue à Paris (13 octobre 2020 au 10 janvier 2021 - Musée d'Orsay) Lire la suite Fermer

« Mes amis les oeuvres de vision personnelle seules resteront. Il faut se créer une science picturale personnelle et vibrer devant la beauté comme devant la femme qu'on aime. oeuvrons avec amour, ne craignant pas les défauts, compagnons habituels inévitables des grandes qualités. Oui, les défauts sont les qualités et le défaut est supérieur à la qualité. Qualité signifie uniformité dans l'effort en vue d'atteindre certaines perfections communes accessibles à tous. Le défaut échappe aux perfections uniformes et banales. Le défaut est donc multiple, il est la vie et reflète la personnalité de l'artiste, son caractère, il est humain, il est tout et sauvera l'oeuvre. » Discours prononcé au banquet offert à Ensor par « La Flandre Littéraire », 1922

René Magritte est né le 21 novembre 1898 à Lessines dans le Hainaut (Belgique). Il est mort à Schaerbeek le 15 août 1967.

« L'art de peindre est-il la vraie magie ? On peut me faire oublier. [...] Aux vacances de Noël on m'envoie à Soignies. [...] C'est là dans le cimetière que je rencontre un jour un peintre venu de la capitale. Je le regarde fixer sur la toile de vieilles tombes coiffées d'hiver. Peindre est-il l'autre porte qui conduit là-bas ?
«Ouvrez les yeux, mondains, voici mon miroir, je meurs et vous mourrez peut-être avant ce soir.» » René Magritte, Moi L'oeuvre de René Magritte est présente dans de nombreux musées français et étrangers.
Le musée Magritte à Bruxelles lui est entièrement consacré.

Événement : exposition René Magritte. La trahison des images, Centre Pompidou, Paris, du 18 septembre 2016 au 9 janvier 2017.
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Käthe Kollwitz a su développer une écriture et un style éminemment personnels. D'une modernité intemporelle et d'une portée universelle, son langage pénétrant nous bouleverse encore aujourd'hui.

Cette monographie présente un panorama de ses travaux, en lien avec des citations de son journal intime, des commentaires de ses contemhuporains et des hommages plus actuels.
Avec plus de 200 reproductions réparties en chapitres thématiques, et une introduction retraçant le parcours de l'artiste, le catalogue présenté propose les oeuvres les plus significatives de Käthe Kollwitz, ainsi qu'un choix de dessins et de rares épreuves d'état issus de la collection Kollwitz de Cologne, la plus importante au monde.

Pieter Bruegel (1525?-1569) compte parmi les artistes les plus connus du 16e siècle. Des tableaux tels que Les proverbes, Les jeux d'enfants, Dulle Griet ou La danse paysanne sont reconnaissables entre tous et appréciés par un très large public. Bruegel est même devenu une référence populaire, pourtant son parcours et sa vie restent peu connus. S'il existe une grande quantité d'ouvrages consacrés à ses oeuvres, on ne connaît pas grand chose de l'homme qu'il a été. Leen Huet signe ici la première véritable biographie du peintre et fait découvrir au lecteur son cadre de vie : les villes animées d'Anvers et de Bruxelles et aussi plus largement l'Europe, traversées par les conflits religieux entre catholiques et protestants ainsi que l'iconoclasme.
Dessinateur et graveur, puis peintre, il crée une oeuvre prolixe en quelques années seulement.
On le suit pas à pas, guidé par chacune de ses réalisations comme autant d'indices. Avec lui, nous faisons le périlleux voyage des Alpes vers l'Italie, côtoyons nombreux artistes et érudits de son temps. Après lui ses fils, devenus peintres, perpétuent son nom et son oeuvre, avant qu'un long oubli ne l'éclipse pour longtemps : redécouvert par un collectionneur à la fin du 19e siècle, il fait partie de la grande Histoire au 20e siècle.
Magistrale, cette biographie parue d'abord en néerlandais aux éditions Polis fait l'objet d'une traduction en français par Marie Hooghe, adaptée et complétée avec l'aide de l'auteure qui y a inclus les dernières recherches consacrées à l'artiste réalisées dans le cadre de « l'année Bruegel » en Europe. Si elle invite à mieux connaître un artiste majeur, elle plonge également le lecteur dans une époque-charnière humaniste et passionnante.
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Magnifiquement illustré, cet ouvrage construit un itinéraire complet à travers une oeuvre picturale profondément originale.

Ce livre en collaboration avec l'artiste donne un aperçu des
peintures et dessins de la période de 1965 à 2022 et
quelques-unes de ses gravures et lithographies les plus
importantes.

«Spilliaert et moi sommes frères de noir. Ce qui nous différencie, c'est qu'il a du talent, une oeuvre et une moustache.Ses paysages sont des asiles, ses portraits, les effigies de nos âmes sombres. Avec ses natures mortes, il transcende le réel et rend le banal fantastique.C'est un alchimiste : de la boue et la sombreur, il fait du sublime.Spilliaert donne du panache au spleen.Pour le côtoyer davantage, j'ai voulu écrire sur lui en partant sur ses traces.Ostende, Bruxelles, Paris.Ce n'était pas si loin.J'espère que vous prendrez le même plaisir que moi à faire sa connaissance.»E.B.

Il y a vingt ans, dans le cadre de la manifestation « Bruxelles 2000 », Thierry de Duve a monté au Palais des Beaux-Arts de Bruxelles une grande exposition intitulée Voici, 100 ans d'art contemporain comprenant plus de 200 oeuvres remontant jusqu'à Manet et Rodin ainsi que trois installations commandées à des artistes contemporains (Michael Snow, Dan Graham et Sylvie Blocher).?Manifeste des principes qui construisent sans solution de continuité l'art moderne et contemporain selon Thierry de Duve, le catalogue (épuisé) contenait un long essai de Thierry de Duve repris dans Voici - vingt ans après, accompagné d'une soixantaine de photos d'installation dues à Philippe De Gobert ainsi que d'une sélection de quelques articles marquants qui avaient salué et vilipendé l'exposition dans la presse artistique internationale, des conférences de Herman Parret et de Mieke Bal données autour de Voici dans un colloque organisé à Louvain à l'époque et les réponses faites par Thierry de Duve. Lire la suite Fermer

Consacré au peintre flamand Jérôme Bosch, dont l'oeuvre marque profondément l'univers artistique de la Renaissance, il initie le lecteur aux techniques de composition du visionnaire intégral, selon la formule d'André Breton, et met en perspective les oeuvres avec les connaissances ésotériques développées au XVIe siècle, comme l'alchimie.

Lors d'une conférence de presse au musée Van Gogh d'Amsterdam en novembre 2018, l'auteur de cet ouvrage révélait qu'une des deux seules photographies connues du peintre Vincent van Gogh était en réalité celle de son frère Theo. L'enquête qui a mené à cette découverte inattendue est truffée d'anecdotes inédites, de rencontres passionnantes et de rebondissements dignes d'un thriller.

Qu'on le sache : l'habitude a du bon. Collectionneur dans l'âme, Benjamin Monti, comme à l'accoutumée, nous revient pour nous proposer son dernier ouvrage où son art du dessin investit un ensemble retrouvé d'anciennes planches de sciences naturelles. On y passe ainsi de la pomme de terre à la renoncule, ou encore de l'oeuf de la grenouille à l'ascaris (ver parasite de l'intestin, faut-il le rappeler). La suite de ces dessins à l'encre qui viennent occuper, pour s'y déployer, chacune de ces planches, instaure ainsi de multiples relations à même de créer des tissus narratifs producteurs d'histoires (naturelles, doit-on dire, puisqu'il s'agit d'histoires conçues à partir d'objets appartenant au domaine de la nature), mais également bio-graphiques, puisqu'il en va, au *l des pages, d'écritures dessinées dont l'objet est de toute évidence le vivant. Historiquement, il est vrai que le terme d'histoire naturelle s'est toujours trouvé dé*ni comme enquête et description de tout ce qui est visible dans le monde naturel : animal, végétal, minéral. Cependant, la prouesse graphique de Benjamin Monti ne relève pas seulement d'une simple enquête. Elle est également en quête, en ce qu'elle vise, page à page, un ce à quoi (encore invisible, encore inconnu) le dessin se destine. Un mouvement donc qui ne part à la recherche d'un temps perdu ou encore retrouvé, mais à celle d'une sorte de temps suspendu, dans les silences et les blancs duquel le dessin qui semblait d'abord ne pas pouvoir y trouver place, s'y faire une place, s'y installer, *nit par s'a/rmer et se donner à voir comme des révélations de sens, au même titre que des jeux de narrations produisant des histoires. Chacun le sait : il n'existe pas de manuels d'histoire naturelle sans dessin, sans croquis, sans planche. Et chacun de même conviendra certainement que le grand art de ce manuel d'Histoires naturelles, signé Benjamin Monti, s'illustre par ses dessins de dessins, ses croquis de croquis, ses planches de planches, qui permettent ainsi, par ce face-à-face, ce dédoublement, par cette rhétorique, de créer le sens d'une nouvelle histoire des histoires naturelles.
Artiste belge (né en 1983, à Liège, où il vit et travaille) Benjamin Monti est le représentant de cette génération d'artistes contemporains dont le travail graphique ne peut être rangé sous telle ou telle catégorie. Entre bande dessinée et art contemporain, ce travail graphique, indépendant et sans équivalent, a fait l'objet depuis 2000 de nombreuses publications, régulièrement remarquées notamment au Festival international de la bande dessinée d'Angoulême.
Après Successions (ab Intestat), en 2012, Histoires naturelles est le deuxième ouvrage de Benjamin Monti à trouver place dans la collection Le cabinet de dessins des éditions Marguerite Waknine.
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Ce livre, articulé comme une biographie, et basé sur des extraits de lettres inédites, fera découvrir la vie insolite de l'artiste ainsi que ses plus grands chefs-d'oeuvre.

Pierre Alechinsky (Bruxelles, 1927), pionnier du groupe CoBrA, est l'une des figures majeures de l'art de la seconde moitié du XXe siècle. En utilisant tout son corps pour appliquer de l'encre ou de la peinture acrylique sur de larges feuilles de papier étendues sur le sol, l'artiste a construit un style richement enraciné dans des lignes légères et sans retenue, inspiré de la calligraphie avant-gardiste japonaise. Son oeuvre a fait l'objet de nombreuses expositions à travers le monde, de la France au Japon. En ce début 2021, Pierre Alechinsky offre aux Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique une série inédite d'oeuvres sur papier. À l'occasion de cette donation exceptionnelle se tient une exposition rassemblant ses oeuvres les plus emblématiques conservées à Bruxelles.
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Conçue en étroite collaboration avec l'artiste, l'exposition au MO.CO. (Montpellier Contemporain) rassemble une soixantaine d'oeuvres réalisées entre 1999 et 2022. Explorant tous ses médiums de prédilection (sculptures, installations, dessins, aquarelles et collages), elle investit l'ensemble des espaces. La sélection inclut six oeuvres nouvelles créées spécifiquement pour le MO.CO.

Si le martyre, la rédemption, la métamorphose, thèmes connus du travail de Berlinde De Bruyckere, sont essentiels, l'exposition s'attache également à des aspects moins soulignés, tels que l'érotisme ou les relations et hybridations de l'humain, du végétal et de l'animal, ainsi que les notions de travail et d'exploitation.

L'exposition de Berlinde De Bruyckere est accompagnée d'un catalogue richement illustré et publié pour l'occasion en français et en anglais. Le design graphique a été confié à Atelier Tout va bien. Il regroupe des contributions inédites de l'écrivaine et poétesse sud-africaine Antjie Krog et de Numa Hambursin, directeur général du MO.CO. Ainsi qu'un entretien réalisé entre l'artiste et les commissaires, Vincent Honoré, Anna Kerekes et Rahmouna Boutayeb. Lire la suite Fermer

L'événement phare d'EUROPALIA ROMANIA est une exposition prestigieuse dédiée à Constantin Brancusi (1876-1957), sculpteur le plus influent du 20e siècle. C'est la première exposition consacrée à cet artiste particulièrement polyvalent en près de 25 ans. Figure clé de l'histoire de l'art, Brancusi développa un nouveau langage visuel, Il est considéré comme l'un des pionniers du modernisme. L'exposition présente des oeuvres maîtresses de Brancusi, dont 'Muse endormie', 'Le Baiser' et 'Leda', issues de musées et de collections privées du monde entier. Plusieurs pièces seront exposées pour la première fois à côté d'oeuvres de ses contemporains (Man Ray, Modigliani, Marcel Duchamp e.a.) et de Rodin, chez qui il fut brièvement apprenti.

Livre d'artiste. Les Microgestes d'Alain Snyers sont des invitations à l'action, ils peuvent être pratiqués ou lus à haute voix. Ils forment un ensemble de 45modes d'emploi détaillés pour toutes sortes de situations: devenir peintre en vache, instruire une meringue, capturer un courant d'air, oublier des tomates dans le métro ou ouvrir une boîte de thon avec une pioche...

Pol Bury (1922-2005) était un peintre, sculpteur, créateur de bijoux, écrivain et graphiste belge. Après ses débuts comme peintre surréaliste, principalement influencé par René Magritte, il exposera avec La Jeune Peinture belge et le mouvement CoBrA. En 1950, il découvre l'oeuvre de Calder, qui exerce une influence importante sur lui. A partir de 1953, Bury introduit lui-même le mouvement dans ses oeuvres et devient ainsi un des protagonistes de l'art cinétique.
Avec ses reliefs et ses sculptures aux mouvements extrêmement lents, il occupe une place très particulière au sein de ce mouvement. Quant au grand public, il le connaît probablement surtout par ses fontaines et sculptures dans les espaces publics. Par son oeuvre innovant et décalé, Pot Bury a conquis à la fois les milieux artistiques parisiens et new-yorkais, ce qui lui valut une reconnaissance internationale.
Ce bel ouvrage nous invite à redécouvrir l'oeuvre protéiforme de celui qui fut incontestablement un des artistes belges les plus importants de t'après-guerre. Avec des contributions de Pierre Alechinsky, Kurt De Boodt & Paul Dujardin, Pamela Lee, Gilles Marquenie, André Morain et Johan Pas.
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Ce livre retrace la relation amoureuse entre Gabriele Münter et Wassily Kandinsky depuis leur rencontre en 1902 à Munich jusqu'à leur séparation définitive en 1917 à Stockholm. Pendant ces quinze années, faites de ruptures et de retrouvailles entre les deux peintres, c'est l'histoire de l'art du début du xxe siècle qui défile. À travers eux, on appréhende tous les courants des avant-gardes européennes et toutes les personnalités qui les représentent de Paris à Berlin, de Munich à Bruxelles. Klee, Delaunay, Jawlesky, Werefkin, Schönberg sont des familiers. Expressionnisme, Cubisme, Blaue Reiter, Futurisme, Art Nouveau, sont au centre de leurs débats. Mais ce roman historique s'attache aussi à retracer la personnalité de Gabriele Münter, femme peintre méconnue en France, pour laquelle il n'existe aucune biographie en français alors qu'en Allemagne elle est une véritable icône de l'art moderne.
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Les différents aspects de l'oeuvre de Marcel Mariën (1920-1993) - membre du groupe surréaliste de Bruxelles, passeur entre le surréalisme de Belgique (dont il fut le premier historien) et la génération d'artistes belges contemporains active à partir des années 1970, poète, créateur d'images, éditeur, théoricien et activiste politique, complice de René Magritte et de Guy Debord.