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Prix
Peinture / Arts graphiques
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Le prince foudroyé : La vie de Nicolas de Staël
Laurent Greilsamer
- Le Livre de Poche
- Le Livre De Poche References
- 24 Juin 2009
- 9782253084648
Son unique obsession était la peinture : elle était son souffle, son sang.
Quand Nicolas de Staël (1914-1955) se donna la mort, à quarante et un ans, il laissait plus de mille tableaux, autant de dessins, et l'énigme d'une vie menée au galop. Insolent et généreux, Staël savait masquer sous le rire les failles d'une enfance brisée par la révolution russe de 1917 et les rigueurs d'un exil polonais.
La reconnaissance arriva des États-Unis, alors qu'il avait trente-neuf ans. Trop tôt ou trop tard : il s'était déjà réfugié en Provence, écrasé de gloire, fraternisant avec René Char, brûlant sa vie. Sa morale tenait en quelques mots : « Il faut travailler beaucoup, une tonne de passion et cent grammes de patience. » Voici la chevauchée de ce prince foudroyé. -
Magritte en 400 images propose une sélection d'oeuvres de René Magritte, des plus emblématiques aux moins connues. Ce choix délibéré vise à surprendre le lecteur et à lui faire découvrir d'autres facettes de l'artiste surréaliste belge en dévoilant des gouaches uniques ou de surprenantes bouteilles peintes.
L'ensemble de la création picturale de René Magritte est présenté en sept chapitres, depuis les premiers tableaux abstraits des années vingt jusqu'aux oeuvres surréalistes majeures des années cinquante et soixante en passant par la période Renoir et la période vache. -
L'année 2024 n'est pas seulement celle des JO ! Elle célèbre aussi les 100 du Surréalisme, mouvement majeur du 20e siècle cristallisé sous la plume d'André Breton, porté à son apogée par Dali et Magritte, mais aussi par Jean Arp, Paul Delvaux, Leonir Fini, Meret Oppenheim, et dont l'influence sur le 20 et 21e siècles demeure inégalée ! Ce mouvement fascinant, dynamique et provocateur est né au lendemain de la Grande Guerre. Il puise ses racines et ses thématiques dans l'inconscient, le rêve, la sexualité, la violence. Quels sont les grands fondements de ce mouvement ? Quels artistes, hommes comme femmes, l'ont durablement marqué ? Comment interpréter ses oeuvres étranges et mystérieuses ? Ce livre évènement propose une redécouverte des plus grands artistes surréaliste et une exploration des oeuvres fondatrices en peinture mais aussi en littérature, en poésie, au cinéma, en photographie... LE livre référence sur le Surréalisme !
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Histoires sans paroles : les romans en gravures de Frans Masereel
Samuel Dégardin
- L'Echappee
- 5 Avril 2024
- 9782373091526
En 1918, après avoir illustré une presse hostile aux marchands de canons, Fans Masereel (1889-1972) publie 25 Images de la passion d'un homme. Si l'on y trouve déjà les thèmes de prédilection de l'artiste belge -?la ville dévoreuse d'hommes ou la lutte des classes?-, son originalité réside dans sa forme?: un récit uniquement constitué de gravures. Le roman sans paroles vient de naître. De la Grande guerre à la Guerre froide, Masereel en réalise une quinzaine, stigmatisant le capital et ses croupiers, la roue de l'infortune qui touche le prolétariat et cet instinct de mort qui a conduit l'Europe vers le chaos. Leur diffusion est principalement assurée par l'éditeur Kurt Wolff, dans des éditions populaires préfacées par des écrivains de la Mitteleuropa (Max Brod, Hermann Hesse, Thomas Mann). D'autres artistes graveurs de l'entre-deux-guerres se sont emparés de ce mode de narration séquentielle à forte connotation politique et sociale?: les Allemands Carl Meffert et Otto Nückel, l'Espagnol Helios Gómez, la Tchèque Helena Bochoráková-Dittrichová, les Américains Lynd Ward et Giacomo Patri... Les romans en gravures de Masereel sont sans paroles mais pas sans histoire. Cet ouvrage vous en livrera les différents chapitres, avec pour théâtre le renouveau de la gravure sur bois, la renaissance du livre xylographique et l'influence des événements sur le destin d'un artiste engagé dans les luttes de son temps.
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James Ensor : Satire, Parodie, Pastiche
Xavier Tricot
- Exhibitions International
- 15 Novembre 2024
- 9789053254929
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Des pépites dans le goudron ! Un roadtrip brut en Amérique
Matthieu Morin, Camille Lavaud benito
- Frémok
- Knock Outsider
- 3 Octobre 2024
- 9782390220503
6 mois, 20.000 miles, un ours, 4 hectolitres de Bud Light, 3 arrestations, des cafards géants, et douze environnements bruts à tomber sur le cul. « Des Pépites dans le Goudron ! » C'est le rêve américain d'un froggie fondu d'art brut, un vrai road-trip sur les traces d'une bande de créateurs au génie loufoque, des boires et des déboires, une ruée vers un art aussi modeste que grandiose, un Pied Nickelé au pays des Tuniques Bleues...
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Par son style graphique, ses figurations distordues et son mépris pour les canons conventionnels de la beauté, Egon Schiele (1890-1918) a été un pionnier de l'expressionnisme autrichien et un des portraitistes les plus surprenants du XXe siècle. Avec Gustav Klimt pour mentor, Schiele s'est d'abord essayé à un style Art nouveau étincelant avant de développer sa propre esthétique agressive, sans concession, faite de lignes acérées, de nuances intenses et de silhouettes expressives et distordues. Ses très nombreux portraits et autoportraits ont frappé l'establishment viennois par leur intensité psychologique et sexuelle sans précédent, privilégiant les poses érotiques, crues ou troublantes où ses modèles, tantôt squelettiques et maladifs, tantôt forts et sensuels, sont recroquevillés sur le sol, se languissent, les jambes écartées, lancent un regard noir au spectateur ou exhibent leur sexe au premier plan. Nombreux sont ses contemporains à avoir trouvé l'oeuvre de Schiele laide et immorale, ce qui a valu à l'artiste un court séjour en prison pour obscénité, en 1912. Aujourd'hui, on célèbre son oeuvre pour son approche révolutionnaire du corps humain et son talent pour le dessin, d'une intensité qui touche presque à la folie. Ce livre met en avant des oeuvres clé de Schiele pour présenter sa carrière aussi fascinante que fulgurante et sa profonde contribution au développement de l'art moderne qui touche encore des talents d'aujourd'hui, comme Tracey Emin ou Jenny Saville.
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Mort à la guerre franco-prussienne à la veille de ses 29 ans, quatre ans seulement avant la première exposition des impressionnistes, Frédéric Bazille (1841- 1870) est malencontreusement occulté des cercles artistiques qui ont vu naître ses oeuvres de jeunesse. Grâce à quelques critiques d'art et conservateurs, ainsi que la générosité de sa famille, l'artiste sort progressivement de l'oubli au début du XXe siècle.
Cet ouvrage, accompagnant les grandes expositions éponymes au musée Fabre à Montpellier puis au musée d'Orsay, propose sa redécouverte au grand public.
De ses débuts sous le soleil montpelliérain à sa vie parisienne où il est entouré d'artistes tels que Manet, Monet, Renoir et Cézanne, tout son oeuvre peint nous dévoile son évolution artistique en prise avec les problématiques de la peinture d'avant-garde des années 1860.
La fois chronologiques et thématiques, les essais de spécialistes placent son oeuvre dans l'histoire et l'art du XIXe siècle : sa peinture du paysage (sous l'influence de Monet), de la nature morte, du portrait, mais aussi sa technique, son départ à la guerre, et enfin sa reconnaissance tardive.
Chacune des très belles reproductions de ses 65 peintures sont accompagnées d'une notice technique et d'une notice didactique, à l'instar d'un catalogue raisonné, et sont scandées de reproductions en fac-similé de sa correspondance, source inestimable de nos connaissances biographiques sur l'artiste.
Un riche appareil critique, composé d'une bibliographie exhaustive, une liste d'oeuvre ainsi que deux cartes illustrant sa vie à Montpellier et Paris, entérine la vocation de l'ouvrage, véritable référence sur cet artiste majeur de la genèse de l'impressionnisme.
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L'Étrange Cas du docteur Jekyll et de M. Hyde
Robert Louis Stevenson, C.r. Macauley
- Victoria Queen
- Bibliotheque Ideale/classiques
- 6 Octobre 2023
- 9782931182017
Il porta le verre à ses lèvres et but d'un trait. Un cri retentit, il râla, tituba, se cramponna à la table pour se maintenir debout, les yeux fixes et injectés de sang... Je crus voir en lui un changement... Il me parut se dilater... Son visage devint brusquement noir et ses traits semblèrent se fondre et se modifier...
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Bande dessinée : Anatomie d'un art ; Dissection de planches originales
Damien McDonald
- Flammarion
- Styles Et Design
- 11 Octobre 2023
- 9782080432223
Cette anatomie dissèque une centaine d'originaux célèbres, mettant à l'honneur le talent d'artistes cultes de l'histoire de la bande dessinée occidentale du XX? siècle. De Richard F. Outcault à des maîtres contemporains comme Chris Ware, elle invite le lecteur à voyager dans des oeuvres et des mondes parallèles qui ont fasciné des générations. Déjà publié en quatre langues, ce tour d'horizon célèbre les vies hétéroclites d'artistes dont les personnages accompagnent les lecteurs à travers les années, de l'enfance à l'âge adulte. Regroupant des créateurs américains et européens de premier plan, cette rétrospective nous plonge dans le symbolisme d'un art protéiforme et nous amène à la rencontre de vamps émancipées, de méta-humains, d'hybrides, de limiers en Borsalinos, de super-héros charpentés, de chiots aventureux, de matous matois, de zombies postmodernes et de freaks venus de l'underground...
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En 2021, Kitty Crowther s'est lancée, durant le deuxième confinement, a dessiné des dizaines de têtes qui forment, deux ans plus tard, un ensemble de près de 150 dessins. Pour chacune de ces têtes, un protocole identique, des outils similaires. Mais une diversité infinie d'expressions, regards, attitudes, coiffures et couleurs qui évoquent la richesse du visage humain. Le livre Face the Day reproduira une centaine de ces dessins.
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Werk : en allemand, le travail, l'oeuvre. Wreck : en anglais, le naufrage. Wrek : en flamand, le bois flottant. Wrek chez Olivier Deprez : le travail artistique comme antithèse du travail productiviste.
Un jour, Olivier Deprez tombe sur un vieux strip de Nancy : Nancy va à la décharge publique
pour se débarrasser d'objets encombrants ; elle en ramène encore plus d'objets divers, sans savoir à quoi ils vont lui servir. Olivier Deprez vient de trouver un procédé narratif. Il va débarrasser le plancher, accumuler, détruire, réinterpréter, lier un ensemble hétéroclite d'images tirées de l'art du XXème siècle et de found footage d'internet... L'ensemble, agencé
avec une subjectivité évidente, dira nécessairement quelque chose.
Des images se répètent, se détruisent ou s'effacent, des séquences vont à rebours. Un portrait de Descartes explose. Pollock dans son atelier semble perdu. Nancy fait le ménage. Olivier Deprez repart de zéro. Le résultat est brut et simple, il demande une appropriation très personnelle.
Quelque chose se termine dès que la lecture de Wrek commence. La gravure sur bois et le découpage ne créent pas d'histoire mais une multitude de liens, une expérience unique, une traversée. Notre vieille façon d'agencer des images en séquences est cassée. Deprez s'applique à la détruire et tente, sans prétendre y parvenir, de trouver une nouvelle façon de dire quelque chose du monde qui nous entoure, des arts, de leur histoire et de leurs capacités
narratives. -
L'amitié de plus de vingt ans entre Degas et Paul Valéry a donné naissance, en 1936, à un ouvrage remarquable mais méconnu, Degas Danse Dessin.
Dès 1896, le nom de Degas figure dans une note des Cahiers de Valéry. L'idée d'écrire sur Degas va s'accomplir grâce à Ambroise Vollard : lors d'une rencontre en juin 1929, Valéry lui fait part de son désir de consacrer un livre à Degas. Quelques pages paraissent en janvier 1934 dans La Nouvelle Revue française, mais ce n'est qu'en février 1937 que Valéry reçoit à son domicile un exemplaire de ce luxueux ouvrage de grand format tiré sur vélin de Rives. Il confie ensuite à Gallimard la réalisation d'une édition courante, qui paraîtra au mois de juin 1938.
Texte à la fois intime et universel, Degas Danse Dessin s'offre comme une évocation fragmentaire et poétique de la personnalité de Degas et de son art, et comme une méditation sur la création.
Fac-similé de l'éd. d'Ambroise Vollard (1936). Édition à tirage limité.
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Les Fleurs du mal de Charles Baudelaire illustrées par la peinture symboliste et décadente
Charles Baudelaire
- Diane De Selliers
- La Petite Collection
- 1 Mars 2007
- 9782903656355
À l'occasion du 150e anniversaire de la première édition de l'oeuvre, célébré en juin 2007, La petite collection / Diane de Selliers, éditeur est inaugurée par la publication des Fleurs du Mal de Charles Baudelaire illustrées par la peinture symboliste et décadente, au prix exceptionnel de 50 euros.
Le livre présente l'intégralité du recueil des Fleurs du Mal (édition de 1861) augmenté des Épaves (1866) et de l'édition posthume (1868) soit 164 poèmes.
L'ouvrage est illustré de 187 reproductions de peintures pleine page de 86 artistes essentiellement de la seconde moitié du XIXe siècle qui accompagnent l'oeuvre de Baudelaire, parmi lesquels Félicien Rops, Léon Spilliaert, James Ensor, Jean Delville, Alfred Kubin, Edvard Munch, Odilon Redon et Gustave Moreau, Carlos Schwabe, Max Klinger, etc.
Héritage du second Romantisme et première manifestation du Symbolisme, la Décadence est une esthétique où l'étrange et l'artificiel s'unissent afin de créer un langage pictural nouveau, en réaction aux préoccupations industrielles d'une bourgeoisie optimiste et dirigiste.
De la Décadence naîtra le Symbolisme, un art de la suggestion, de l'analogie et de la métaphore, au sein duquel poètes et artistes expriment leurs obsessions les plus profondes : la solitude, la mélancolie, le mysticisme, la sensualité, le rêve, l'étrange, le morbide...
Cette inédite confrontation souligne les correspondances entre deux univers, le poétique et le pictural, et restitue à l'oeuvre de Baudelaire sa grandeur prophétique et fondatrice pour toute une nouvelle génération de poètes et de peintres.
Cette édition est enrichie d'une biographie des 86 artistes présents dans l'ouvrage, et accompagnée d'une chronologie précisant notamment les liens de Baudelaire avec les artistes et les hommes de lettres de son époque.
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Mon livre d'heures
Frans Masereel
- Martin De Halleux
- Un Roman Sans Paroles
- 8 Octobre 2020
- 9782490393138
Chef d'oeuvre de Frans Masereel, tout à la fois roman d'apprentissage, récit d'aventures picaresques et récit biographique, Mon livre d'heures relate les pérégrinations de l'alter ego de l'auteur aux prises avec les réalités du monde. Articulé en une série de séquences narratives, le récit prend forme au gré de ses déambulations et de ses rêveries. Anarchiste libertaire déclaré, il préfère jouir des plaisirs de la vie que des joies du travail.
Citoyen du monde qui ignore frontières et préjugés, il choque les esprits étriqués et vit sa vie sans contraintes en pleine liberté.
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Michel Goyon : Arborescences
Michel Goyon, Roberta Trapani, Carine Fol, Laurent Derobert, Thibault Leonardis
- Frémok
- Knock Outsider
- 31 Octobre 2024
- 9782390220466
Monographie en coédition : Knock Outsider - Patrimoines Irréguliers de France - Art et marges musée.
Depuis plus de quarante ans, Michel Goyon (1963) développe une oeuvre hybride et complexe, où expérimentations plastiques et références culturelles, artistiques et scientifiques s'entrelacent dans une quête perpétuelle de sens. Visionnaire, il puise son inspiration dans des domaines aussi variés que l'art contemporain, les mathématiques, les comics américains, la culture alternative, l'art brut et la science-fiction. Son travail, réparti sur près de 1400 pages de carnets illustrés, grands dessins et volumes, brouille les frontières entre réel et imaginaire.
L'exposition Arborescences, sous le commissariat de Thibault Leonardis et Roberta Trapani, propose une rétrospective immersive de Michel Goyon, couvrant l'ensemble de sa carrière à travers un parcours multimédia interactif.
Une monographie, coéditée par Knock Outsider, le Art et marges musée et Patrimoines irréguliers de France, accompagne l'événement, repensant les frontières entre art brut et art contemporain. -
Posada, confession d'un squelette ; les plus mortelles gravures de Posada
Samuel Dégardin
- Martin De Halleux
- 3 Octobre 2019
- 9782490393046
Les plus belles gravures du maître mexicain illustrent ce récit biographique de Samuel Dégardin. Une imagerie tenace s'en dégage, peuplée de révolutionnaires et de squelettes qui inspirent aujourd'hui les illustrateurs, dessinateurs, graphistes, tatoueurs et créateurs du monde entier.
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Au printemps 1919, Masereel ouvre les fenêtres de son atelier pour laisser passer la lumière et réaliser les soixante-trois gravures sur bois de son nouveau roman en images : Le Soleil. L'inspiration tardant à venir, il s'assoupit tout en laissant sortir de sa tête un alter ego qui se met à vouloir saisir l'inaccessible étoile. Prenant ses jambes à son cou, il se met à courir les rues et battre la campagne, à grimper quatre à quatre les escaliers, à monter aux cheminées et dans les arbres, à se hisser en haut d'une grue ou du mât d'un voilier, à surfer sur la crête d'une vague pour toucher du doigt le Soleil.
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Cet ouvrage rassemble 80 collages ou « miniatures » mesurant neuf centimètres de côté, entourés de vues rapprochées du matériau graphique glané par l'artiste, chineur et collectionneur invétéré. Benjamin Monti brouille les pistes à dessein en opérateur minutieux d'un corpus iconographique qu'il hybride et recycle, en référence à une série de figures issues de l'imaginaire collectif qui, arrachées de leur contexte, provoquent une vision troublante de notre monde. Un entretien avec Annabelle Dupret accompagne les pages graphiques.
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Pierre-Joseph Redouté : Roses
Pierre-Joseph Redouté, Hans Walter Lack
- Taschen
- 27 Mai 2023
- 9783836595711
La tradition admirée de l'illustration botanique remonte à la Renaissance et est née de la volonté de dresser un inventaire complet de la nature dans toute sa splendeur toujours imprévisible, un travail qui exigeait des artistes de talent et la plus grande précision.
Avec sa capacité remarquable à restituer les sujets naturels les plus complexes, Pierre-Joseph Redouté est unanimement considéré comme le meilleur peintre et graveur d'illustrations botaniques de tous les temps. Il préférait travailler sur des plantes encore vivantes plutôt que sur des spécimens d'herbiers, ce qui donne à ses aquarelles une délicatesse et une fraîcheur inédites. Il a également innové en ce qui concerne les techniques d'impression et a introduit en France la « gravure au pointillé », s'efforçant toujours à la plus parfaite exactitude dans son art. Redouté a involontairement bénéficié de la protection des mécènes les plus influents de son temps, parmi lesquels Marie Antoinette et l'impératrice Joséphine Bonaparte, ce qui lui a garanti le financement et la diffusion de son travail.
Son impressionnante collection comprend plus de 2 000 peintures de plantes, reproduites dans tous leurs détails et avec une fidélité absolue aux modèles de la nature. Dans son ouvrage raffiné Les Roses, Redouté s'intéresse à la plus romantique, la plus désirable et la plus suggestive des fleurs. Publié en trois volumes de 1817 à 1824, il reste son oeuvre la plus célèbre et la plus célébrée. -
En dehors de quelques brouilles passagères, René Magritte (1898-1967) resta toute sa vie celui dont Breton écrivait que le surréalisme lui devait "une de ses premières et dernières dimensions". Rejetant les procédés d'écriture automatique, Magritte emprunte les éléments de son vocabulaire pictural au quotidien. Abordant la peinture "dans l'esprit des leçons de choses", il fait subir aux espaces et aux objets une infinité de modifications. Il fragmente l'échelle onirique, invente des territoires nouveaux, transforme des espaces connus, pratique une utilisation incongrue des titres : Ceci continue à ne pas être une pipe, Le Salon au fond d'un lac, La Philosophie dans le boudoir. En un mot, il ajoute, avec humour, de nouvelles dimensions au malaise humain : "Je peins l'au-delà, mort ou vivant. L'au-delà de mes idées par des images".
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Un choix parmi les principaux textes de l'artiste, qui a abordé la peinture dans l'esprit des leçons de choses. Sous cet angle, il a instruit le procès systématique de l'image visuelle dont il s'est plu à souligner les défaillances et à marquer le caractère dépendant des figures de langage et de pensée.
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«Pour moi, la figure humaine, le corps humain n'ont pas plus d'importance que des clés ou des vélos. C'est vrai. Ce sont pour moi des objets valables plastiquement et à disposer suivant mon choix.On doit reconnaître que les traditions picturales qui nous précèdent - la figure et le paysage - sont lourdes d'influences. [...] Il a fallu, pour y voir clair, que l'artiste moderne se détache de cette emprise sentimentale. Nous avons franchi cet obstacle : l'objet a remplacé le sujet, l'art abstrait est venu comme une libération totale, et on a pu alors considérer la figure humaine non comme une valeur sentimentale mais uniquement comme une valeur plastique.Voilà pourquoi dans l'évolution de mon oeuvre, de 1905 à maintenant, la figure humaine reste volontairement inexpressive.»