Pierre Culot (1938-2011) était un céramiste et sculpteur belge. Formé par Antoine de Vinck et le maître potier anglais Bernard Leach, il a jeté un pont entre les traditions britannique, japonaise et française, et exprimé avec passion son désir d'être au monde, d'être sur terre, dans la nature, seule génératrice de vie et de beauté.

Catalogue annuel de l'exposition d'été de la Collection Lambert, qui présente l'oeuvre d'Ann Veronica Jannsens, artiste plasticienne belge.

Cet ouvrage kaléidoscopique présente Théo van Doesburg tel un propagandiste nomade, en permanente recherche d'une esthétique nouvelle qui, en interaction avec la science

Française, domiciliée en terre occitane, Gisèle Buthod-Garçon se découvre une passion pour la matière terre en 1979, à son retour du Sénégal. Ce qui l'attire, c'est cet aspect cru qu'a la terre, la vivacité brûlante qu'elle offre et son aspect charnel. Dès lors qu'elle adopte la céramique et se lance comme professionnelle, en 1982, elle n'a de cesse d'expérimenter sans relâche, d'apprendre et de résoudre avec une opiniâtreté sans égale. Son travail est tout entier conditionné par l'adoption d'un mode de cuisson spécifique, la cuisson raku. Email gras et raku semblaient à jamais dissonants, pourtant Gisèle Buthod-Garçon a établi sa notoriété sur ce paradoxe. Elle concilie l'âpreté des surfaces et l'harmonie formelle. Elle crée en écho aux paysages arides et blafards qui l'entourent. Son travail traduit l'immémoriale trace de la fragilité humaine et l'intemporalité des choses.

Stéphanie Le Follic-Hadida, commissaire de l'exposition consacrée à l'artiste à Keramis, réunit différents auteurs : Ludovic Recchia, Yves Mausen, Katherine Vanderhaeghe, Anthony Girardi, Virgile Loyer, Wang Dong et Jean-Paul Rivault, qui témoignent, chacun à leur façon, de leur expérience face à l'oeuvre de Gisèle Buthod-Garçon.
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Cette présentation de la sculptrice belge Carole Solvay combine des images de ses sculptures en plumes avec les citations littéraires qui ont inspiré son oeuvre.

Avec ce titre, l'intention du livre est donc énoncée sans équivoque, quoiqu'en faisant la part de l'émerveillement enfantin et filial. Fondant voix et formes en une légende dorée, Anne Longuet-Marx retrace l'itinéraire individuel puis commun de ces deux artistes dont un ensemble d'oeuvres est entré récemment au Centre Pompidou et qui, bien qu'appartenant à deux générations distinctes, apparurent à la critique comme la promesse d'une « sculpture d'un temps autre » au lendemain de la Seconde Guerre mondiale.
Issu de la descendance française de Karl Marx, Karl-Jean Longuet étudie et travaille longtemps à l'ombre de Rodin et dans l'admiration de Maillol, jusqu'à une rencontre décisive avec Brancusi en 1948. Celle-ci l'amène à laisser davantage s'exprimer la ligne du matériau, suivant une logique abstraite qui se conjugue à l'héritage figuratif pour donner vie à ce qu'on nommera une « sculptarchitecture ».
Simone Boisecq, née quant à elle d'une mère pianiste et d'un père « poète sauvage » qui ne cessera de célébrer la culture bretonne, grandit à Alger où elle s'initie au modelage en autodidacte, ne se consacrant pleinement à la sculpture qu'à partir de son installation à Paris. Elle développera « sa mythologie rugueuse et sauvage qui doit autant aux paysages méditerranéens de son enfance qu'aux rêves celtes de son père ».
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Manneken-Pis jouit d'une incroyable célébrité, inversement proportionnelle à sa taille. Et pourtant, aussi surprenant que cela puisse paraître, son histoire est encore très largement méconnue. A quelle époque remonte l'existence de la statue ? Quand commence-t-on à lui offrir des costumes ? Depuis quand incarne-t-elle l'esprit bruxellois, voulu espiègle et irrévérencieux et, plus largement, l'image de la ville à l'étranger ? Ce livre vous invite à découvrir les multiples facettes du "phénomène Manneken-Pis".

Sculpteur établi à Bruxelles, Alfred Blondel travaille le bronze, la pierre, la terre cuite et exprime, à travers les corps de jeunes femmes, éloges, rêves et réalité de la beauté féminine.
Ses oeuvres sont visibles à son atelier, lors d'expositions, et en des lieux publics.

Reprenant l'histoire inédite de la sculpture hors normes d'Anish Kapoor, installée de juin à novembre 2015 dans le parc du Château de Versailles, sur le Tapis vert de Le Nôtre, quelque peu chahuté pour l'occasion, ce livre retrace minutieusement la chronique des événements peu communs qui ont alors scandé la vie de Dirty Corner. Rebaptisé « Vagin de la reine » avant même d'être montré au public, ce que d'aucuns ont pu qualifier de « déchet sculptural » sera le terrain de quatre actes de vandalisme, incluant notamment le tristement célèbre épisode des graffitis haineux et antisémites qui avait fait la une des journaux en septembre 2015. C'est cette dynamique entre la violence politique, que Dirty Corner contient désormais irrévocablement, et la violence artistique, qui s'efforce de la dépasser, qui fait ici l'objet d'une analyse documentée et d'une réflexion critique.
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« On ne peut vraiment suivre l'acte créateur qu'à travers la série de toutes les variations. » Propos de Pablo Picasso rapportés par Brassaï (Gyula Halász, dit), Conversations avec Picasso, Paris, Gallimard, 1964, p. 211.

Tout au long de sa vie, Picasso a entretenu une relation privilégiée avec la sculpture, un pan essentiel de son oeuvre qu'il a longtemps tenu à garder secret et à protéger. Connues que tardivement, elles sont restées chez lui, dans son atelier et n'ont été que très rarement exposées.
Au regard de la diversité et du grand nombre d'oeuvres sculptées produites (le catalogue raisonné comportant près de 700 numéros) et leur intensité, les sculptures ne cèdent en rien au reste du travail de l'artiste.
De ses premiers bois en 1906, aux tôles pliées des années soixante, elles sont le fruit de plus de soixante ans d'expérimentations et de manipulations en tout genre.
Picasso était toujours pressé, impatient, il voulait que les choses se réalisent vite et tout de suite. Il n'a finalement que peu sculpté directement sur le matériau, privilégiant les modes rapides de création, par assemblage. Il y a eu chez lui tout au long de sa carrière comme une urgence, la recherche continuelle d'une nouvelle matière, d'une nouvelle technique.
Ce catalogue aborde l'oeuvre sculpté chez Picasso à travers le processus créatif, son génie, ses influences, ses modèles, ses ateliers, son environnement intime, amical et social.
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L'oeuvre de Janine Janet est liée au Tout-Paris des années 50 et 60.
Elle réalise des sculptures d'un extraordinaire raffinement, notamment pour les maisons de couture. Dotée d'une sérieuse formation classique, elle possède une excellente maîtrise des techniques plastiques. Son enfance à l'île de La Réunion a développé un imaginaire baroque et fantasmagorique, un goût pour la nature et pour des matériaux comme la nacre, le madrépore, les coquillages, les végétaux, les écorces ou les pierres qu'elle soumet à d'étranges métamorphoses.
Ses manipulations minutieuses relèvent de l'art du tabletier, du relieur ou du rocailleur ; elle transforme ces éléments en naïades, faunes, licornes et autres féeries faites pour traverser le temps, qui enchantent le public. Les couturiers Balenciaga, Hubert de Givenchy, Pierre Balmain, Nina Ricci, lui confient leurs vitrines et leurs salons, Jean Cocteau, frappé par une certaine parenté avec son propre imaginaire, lui commande la conception des costumes, masques et sculptures de son film Le Testament d'Orphée.
Janine Janet est désormais recherchée par une clientèle célèbre, Francine Weisweiller, Paul-Louis Weiller, le prince Ali Khan, Ludmilla Tcherina, Jean Marais..., pour laquelle elle conçoit des décors de fêtes ou des décorations d'intérieurs. Elle s'intéresse aux différents domaines de l'art décoratif et crée des modèles pour la Manufacture nationale de Sèvres, Haviland, Arthus-Bertrand. En collaboration avec les décorateurs John Dévoluy ou Chapelain-Midy, elle applique au décor mural et au mobilier le procédé nouveau d'inclusion dans la résine.
Dennis Lennon lui commande des statues puis une Vénus en bronze doré pour le paquebot Queen Elizabeth 2, L'ouvrage, qui présente les superbes photos de Brassaï et de Lucien Clergue complétées par les reportages de Roland Beaufre, ainsi que les oeuvres marquantes de Janine Janet et ses projets aquarelles, retrace la carrière prolifique d'une créatrice, à un moment privilégié de la culture française.
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Le sculpteur Reinhoud d'Haese est né en 1928 à Geraardsbergen, en Flandre-Orientale. Il fait ses débuts à Bruxelles chez un orfèvre, puis fréquente l'École Nationale Supérieure d'Architecture et des Arts Décoratifs de Bruxelles où il apprend le travail du métal en sculpture. En 1950, il rejoint les Ateliers du Marais à Bruxelles, sorte de pépinière du groupe Cobra, où il participe activement à la transformation des ateliers en centre destiné à recevoir des artistes. C'est là qu'il rencontre, entre autres, Christian Dotremont, Luc de Heusch, Hugo Claus et Pierre Alechinsky, artistes qui l'accompagneront tout au long de sa carrière.
Après la dispersion des Ateliers du Marais, la galerie expérimentale Taptoe à Bruxelles organise en 1956 une exposition entièrement consacrée à Reinhoud. Il reçoit alors le prix de la Critique belge. Ce qui l'inspire, ce sont les insectes : Moustique et Fouineur sont les titres d'oeuvres qu'il y expose. À partir de cette époque, Reinhoud va de plus en plus laisser libre cours à son imagination, jusqu'à créer une galerie de sculptures, d'animaux, de plantes, et surtout de personnages, sorte de catalogue de caractères dans la tradition de La Bruyère.
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Monographie sur l'oeuvre de l'artiste.

Tels sont les thèmes des quatorze bronzes décoratifs belges récemment offerts au musée de Roubaix par Philippe et Françoise Mongin, généreux couple de collectionneurs parisiens. Présentée pour la première fois au public, cette donation constitue le coeur d'une exposition-dossier et de cette publication qui lui est dédiée.
De Constantin Meunier (1831-1905) à Joseph Witterwulghe (1883-1967) en passant par Jef Lambeaux (1852-1908), ce sont trois générations de sculpteurs qui sont évoquées. Les sujets réalistes liés au monde du travail et des travailleurs y côtoient une veine plus légère, autour de l'amour et des bacchanales, tandis que se mêlent les héritages du romantisme, du naturalisme et de l'exubérance de la peinture flamande du Siècle d'or. Dans les collections de La Piscine où elles rejoignent les oeuvres de Rémy Cogghe, mais aussi de Philippe Wolfers, Georges Higuet ou Georges Minne, ces pièces soulignent un tropisme belge ancien et fondateur pour la ville de Roubaix et pour son musée.
La proximité géographique et les besoins considérables de main d'oeuvre d'une industrie textile (lainière notamment) en pleine expansion ont en effet alimenté au XIXe et au début du XXe siècles une très importante immigration flamande dans toute la métropole lilloise, et notamment dans les villes de Roubaix et Tourcoing où la thèse de l'art social défendue par un artiste comme Constantin Meunier trouve un écho évident.
La collection art & politique de La Piscine accompagne les expositions-dossiers présentées dans la salle de contextualisation historique ; elle explore les liens entre les artistes, le pouvoir politique, les idéologies et l'Histoire.
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Exposition présentée au Musée d'Art Moderm (MUDAM), Luxembourg, du 2 juillet 2016 au 15 janvier 2017 Depuis le début de sa carrière, Wim Delvoye ne cesse de repousser les frontières qui séparent l'art et la culture populaire, l'« ancien » et le contemporain, et celles qui opposent parfois les arts décoratifs au « grand art ». Ainsi, l'artiste provoque des rencontres inattendues, des télescopages entre ce que le sens commun juge noble et ce qu'il considère au contraire comme trivial ou impur. Cela passe par l'ornementation d'objets du quotidien ou encore par la mise à nu du prosaïsme de tout être humain.
Ces dernières années ont vu l'échelle des oeuvres de Wim Delvoye évoluer considérablement, à travers des sculptures monumentales qui invoquent à la fois la tradition artisanale flamande, l'ornementation et l'architecture gothiques, tout en réaffirmant la circulation historique des savoir-faire entre les cultures.
Le catalogue propose une traversée de son oeuvre selon quatre axes de lecture :
- des espaces domestique et urbain, avec ses premières oeuvres inspirées du savoir-faire traditionnel de sa région natale, la Flandre, aux espaces paysagés, avec ses récentes pièces monumentales ;
- la question des « origines » (Early Works, Cloaca, etc.) ;
- le rapport de Wim Delvoye avec l'art ancien, souvent réinterprété par la citation et le détournement ;
- une installation d'envergure conçue spécifiquement pour l'exposition, en réponse à l'architecture du musée de Ieoh Ming Pei.
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Le sculpteur Reinhoud d'Haese est né en 1928 à Geraardsbergen, en Flandre-Orientale. Il fait ses débuts à Bruxelles chez un orfèvre, puis fréquente l'École Nationale Supérieure d'Architecture et des Arts Décoratifs de Bruxelles où il apprend le travail du métal en sculpture. En 1950, il rejoint les Ateliers du Marais à Bruxelles, sorte de pépinière du groupe Cobra, où il participe activement à la transformation des ateliers en centre destiné à recevoir des artistes. C'est là qu'il rencontre, entre autres, Christian Dotremont, Luc de Heusch, Hugo Claus et Pierre Alechinsky, artistes qui l'accompagneront tout au long de sa carrière.
Après la dispersion des Ateliers du Marais, la galerie expérimentale Taptoe à Bruxelles organise en 1956 une exposition entièrement consacrée à Reinhoud. Il reçoit alors le prix de la Critique belge. Ce qui l'inspire, ce sont les insectes : Moustique et Fouineur sont les titres d'oeuvres qu'il y expose. À partir de cette époque, Reinhoud va de plus en plus laisser libre cours à son imagination, jusqu'à créer une galerie de sculptures, d'animaux, de plantes, et surtout de personnages, sorte de catalogue de caractères dans la tradition de La Bruyère.
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Réunis au restaurant De Groene Staek à Mariakerke (Gent) lors d'une soirée exceptionnelle, - à l'initiative de Guy Pieters - Jan Desmarets, Geert Verstaen et Hugo Brutin, le sculpteur, l'architecte de livres et l'auteur ont médité, tout en dégustant de délicieux grands crus d'origine française, sur l'édification d'un monument de papier et de lettres consacré au langage sculptural et à la créativité passionnée du sculpteur présent. Johan et Véronique ont nourri de manière adéquate l'enthousiasme croissant de cet étrange trio. Ils ont regardé et ils ont trouvé que tout était bien. Voilà comment ce livre-ci a été conçu.

« Patrick Villas est un sculpteur vivant. Il est à la fois la force, l'espace, le mouvement. Il ingère depuis 30 ans le monde animal, il est le monde animal.
Son travail, même s'il s'attache au réalisme figuratif des grands anciens, confine à l'abstraction le plus élégant. C'est dans le calme du zoo d'Anvers, tout comme son illustre prédécesseur le sculpteur Rembrandt Bugatti (1884-1916), qu'il exercera patiemment son regard, cherchant à comprendre et à sublimer les mécanismes de la vie. De tous les animaux observés, c'est bien le fauve qui se détache dans son oeuvre. On sent chez Patrick Villas une véritable fascination pour ces animaux qu'il ne cesse de représenter.
L'oeuvre de Patrick Villas est donc tout à la fois analytique, synthétique et dynamique. Le volume est modelé à main libre, les détails sont simplement ébauchés pour accrocher la lumière et fragmenter la surface en une multitude de plans qui s'interpénètrent et donnent l'impression du jeu sous-jacent des os et des muscles.
Patrick Villas est un des artistes animaliers les plus doués de sa génération. Dans un style nerveux et vivant, il n'a de cesse de proposer une solution plastique à la transcendance du beau.» Aurélien Gnat.

Exposition au Centre d'art contemporain de Saint-Pierre-de-Varengeville (76) du 2 juillet au 2 octobre 2016.
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Une importante exposition-rétrospective aura lieu au prestigieux Palais des Beaux-Arts de Bruxelles (BOZAR) du 18 août au 24 septembre 2017. Après Montréal, Paris, Avignon, Nancy, Tokyo,... Né en 1928 à Bruxelles, ses oeuvres se trouvent dans de nombreuses Cours royales de différents pays européens, des Présidences de la République française et allemande, chez Dior, Hermès, Chanel, Louis Vuitton,... des galeristes, collectionneurs. Design et art. Il réalise ses merveilles en « chinant la nature ». Ses joyaux jaillissent des falaises ou des plages du Pas-de-Calais où la découverte du marcassite l'inspire pour réaliser ses premières tables. Le désert d'Arizona et les carrières de Fontainebleau lui donnent d'autres pépites. Galets, dentelles, minéraux, sphères et oeufs peuplent son univers intime. Coquilles, grains de poivre, boutons, perles, pierres de toutes formes et couleurs soigneusement retravaillés et coulés dans la résine, forment des plateaux de table. Les matériaux qu'il utilise tels que malachite, cornaline et jaspe sont si fragiles et rares qu'ils font de chaque création une oeuvre unique. C'est ainsi que l'architecte américain Peter Marino a utilisé les tables d'Ado Chale pour le magasin Dior à Londres. Ses réalisations sont aujourd'hui prisées au niveau international et dans les grandes salles de vente. Lire la suite Fermer