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Sculpture / Arts plastiques
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Louise Bourgeois est par excellence la femme-couteau, la femme sculpteur, celle qui découpe, tranche, cisaille, mais aussi celle qui incarne l'ambivalence féminin-masculin : la protection et la menace, la fragilité et la force, la tendresse et la violence.Née en 1911 à Paris, et ayant vécu à New York de 1938 jusqu'à sa mort en 2010, elle est devenue, après une reconnaissance tardive, l'une des artistes les plus emblématiques du XXe siècle. Son oeuvre polymorphe, composée de peintures, gravures, dessins,sculptures, installations, est profondément autobiographique et échappe à toute classification esthétique. En réactivant les souvenirs et les traumatismes de son enfance, Louise Bourgeois donne forme et corps à ses émotions, créant une oeuvre organique, sensuelle et érotique, dont le thème essentiel est la femme-maison. «La sculpture est le corps et mon corps est une sculpture.»Cette biographie ne retrace pas seulement le parcours d'une grande artiste, sa formation, ses influences ; c'est aussi le récit d'une vie de femme exceptionnelle, ayant connu les deux guerres, l'exil, épouse d'un célèbre historien de l'art, et mère de trois enfants. Elle s'appuie sur les archives personnelles inédites de l'artiste, ses journaux intimes, sa correspondance, ses écrits psychanalytiques, ainsi que sur ses interviews et des entretiens avec ses proches.
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Pierre Culot (1938-2011) était un céramiste et sculpteur belge. Formé par Antoine de Vinck et le maître potier anglais Bernard Leach, il a jeté un pont entre les traditions britannique, japonaise et française, et exprimé avec passion son désir d'être au monde, d'être sur terre, dans la nature, seule génératrice de vie et de beauté.
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Ann Véronica Janssens: entre le crépuscule et le ciel
Stéphane Ibars
- Actes Sud
- 5 Juillet 2022
- 9782330165574
Catalogue annuel de l'exposition d'été de la Collection Lambert, qui présente l'oeuvre d'Ann Veronica Jannsens, artiste plasticienne belge.
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Cet ouvrage kaléidoscopique présente Théo van Doesburg tel un propagandiste nomade, en permanente recherche d'une esthétique nouvelle qui, en interaction avec la science
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Au delà du travail de sculpture de Rodin, les oeuvres présentées dans ce catalogue mettent en évidence d'autres pratiques artistiques de l'artiste : invention de l'assemblage, de la figure partielle ou du collage, usage du dessin et de la photographie.
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Gisele Buthod-Garçon ; la terre, simplement
Collectif
- Prisme Editions
- 12 Septembre 2018
- 9782930451251
Française, domiciliée en terre occitane, Gisèle Buthod-Garçon se découvre une passion pour la matière terre en 1979, à son retour du Sénégal. Ce qui l'attire, c'est cet aspect cru qu'a la terre, la vivacité brûlante qu'elle offre et son aspect charnel. Dès lors qu'elle adopte la céramique et se lance comme professionnelle, en 1982, elle n'a de cesse d'expérimenter sans relâche, d'apprendre et de résoudre avec une opiniâtreté sans égale. Son travail est tout entier conditionné par l'adoption d'un mode de cuisson spécifique, la cuisson raku. Email gras et raku semblaient à jamais dissonants, pourtant Gisèle Buthod-Garçon a établi sa notoriété sur ce paradoxe. Elle concilie l'âpreté des surfaces et l'harmonie formelle. Elle crée en écho aux paysages arides et blafards qui l'entourent. Son travail traduit l'immémoriale trace de la fragilité humaine et l'intemporalité des choses.
Stéphanie Le Follic-Hadida, commissaire de l'exposition consacrée à l'artiste à Keramis, réunit différents auteurs : Ludovic Recchia, Yves Mausen, Katherine Vanderhaeghe, Anthony Girardi, Virgile Loyer, Wang Dong et Jean-Paul Rivault, qui témoignent, chacun à leur façon, de leur expérience face à l'oeuvre de Gisèle Buthod-Garçon.
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Né en 1965 à une centaine de kilomètres des anciennes manufactures impériales de porcelaine de Jingdezhen (Chine), Bai Ming est un artiste plasticien aux multiples facettes. Professeur, conférencier, il est directeur du département de céramique à l'Académie d'art et de design de l'université Qinghua à Beijing, et du Centre d'art international de la céramique contemporaine Shangyu Celadon. Il est aussi, et surtout, à la tête de deux ateliers, où il mêle avec audace les traditions techniques et les pratiques ancestrales à l'art contemporain international. Son travail sur la céramique, la peinture et la laque, tout en finesse, redynamise la porcelaine chinoise et la libère de ses formes archaïsantes. Ses créations sont couronnées par les plus grands prix chinois et reconnues par les collectionneurs du monde entier.
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Cette présentation de la sculptrice belge Carole Solvay combine des images de ses sculptures en plumes avec les citations littéraires qui ont inspiré son oeuvre.
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Le soleil et l'envol : Simone Boisecq et Karl-jean Longuet
Anne Longuet marx
- Atelier Contemporain
- Monographies
- 18 Février 2022
- 9782850350559
Avec ce titre, l'intention du livre est donc énoncée sans équivoque, quoiqu'en faisant la part de l'émerveillement enfantin et filial. Fondant voix et formes en une légende dorée, Anne Longuet-Marx retrace l'itinéraire individuel puis commun de ces deux artistes dont un ensemble d'oeuvres est entré récemment au Centre Pompidou et qui, bien qu'appartenant à deux générations distinctes, apparurent à la critique comme la promesse d'une « sculpture d'un temps autre » au lendemain de la Seconde Guerre mondiale.
Issu de la descendance française de Karl Marx, Karl-Jean Longuet étudie et travaille longtemps à l'ombre de Rodin et dans l'admiration de Maillol, jusqu'à une rencontre décisive avec Brancusi en 1948. Celle-ci l'amène à laisser davantage s'exprimer la ligne du matériau, suivant une logique abstraite qui se conjugue à l'héritage figuratif pour donner vie à ce qu'on nommera une « sculptarchitecture ».
Simone Boisecq, née quant à elle d'une mère pianiste et d'un père « poète sauvage » qui ne cessera de célébrer la culture bretonne, grandit à Alger où elle s'initie au modelage en autodidacte, ne se consacrant pleinement à la sculpture qu'à partir de son installation à Paris. Elle développera « sa mythologie rugueuse et sauvage qui doit autant aux paysages méditerranéens de son enfance qu'aux rêves celtes de son père ».
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Djenné-Jeno ; 1000 ans de sculpture en terre cuite au Mali
Bernard De Grunne
- Fonds Mercator
- 20 Septembre 2014
- 9789061530633
Apparue vers l'an 700 de notre ère, la statuaire dite de Djenné s'est développée jusqu'en 1750. OEuvres de différents groupes habitant le Delta intérieur du Niger, dans le Mali actuel, autour de l'ancien centre urbain de Djenné-Jeno, ces sculptures en terre cuite, dont plus de 300 sont publiées pour la première fois dans ce livre, expriment une remarquable variété de conditions physiques et d'émotions humaines, ce qui en fait le plus vaste ensemble de gestes sacrés de toutes les civilisations de l'Afrique subsaharienne.
En 1982, de vastes fouilles au Mali ont mené à des découvertes fascinantes sur la fonction de cette statuaire ancienne en terre cuite, élégante et raffinée, ainsi que sur sa signification religieuse et culturelle. Djenné-Jeno analyse cet important corpus de sculptures en terre cuite, représentatives d'un des arts mandés d'Afrique occidentale et en majeure partie non publiées, et révèle des rapports potentiels entre des régions d'Afrique occidentale dont les styles artistiques étaient jusqu'ici considérés comme ayant évolué de façon autonome. Rehaussé de centaines d'illustrations en couleurs, cet ouvrage apporte une contribution significative à l'étude d'une forme artistique pratiquement inconnue il y a quelques décennies.
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Entretien en trois parties, entre la plasticienne et le sémiologue, suivi des annales de l'artiste de 1984 à 2000.
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La sculpture nègre de carl einstein, parue en 1915 à leipzig, compte au nombre des oeuvres maîtresses du xxe siècle.
Elaborée en phase avec la naissance du cubisme en france, cette analyse formelle, novatrice et audacieuse, donna à l'art africain (dit " nègre " à l'époque) son statut définitif d'art à part entière. pour la première fois un européen portait sur l'art d'afrique subsaharienne un regard sans préjugé ni ethnocentrisme, découvrant des solutions possibles aux problèmes notamment de formulation de l'espace que se posaient alors les peintres modernes.
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Cet ouvrage dresse le panorama de la création artistique en province de Namur de 1830 jusqu'à nos jours. À travers cette perspective historique longue, cet ouvrage souhaite mettre en évidence la vivacité et la richesse artistique qui n'a cessé d'animer la province de Namur depuis sa création, tout en s'interrogeant sur l'influence que le contexte local peut éventuellement exercer sur elle. On y croise certaines figures majeures comme Evelyne Axell, Théodore Baron, Louis-Marie Londot, Henri Michaux, Yvonne Perin, Luc Perot, Félicien Rops, Marc Trivier ou encore Antoine Wiertz. Autant de noms qui témoignent de l'importance des artistes namurois tant sur les scènes nationale qu'internationale.
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Démons et merveilles ; critique de la raison pure
Olivier Smolders, Christophe Chabert
- Exhibitions International
- Essais
- 17 Janvier 2020
- 9782875720511
Ce livre de la collection Essais présente le travail artistique d'Olivier Smolders et de son frère, Quentin Smolders, à l'occasion d'une double exposition au Centre Wallonie Bruxelles à Paris.
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Manneken-Pis jouit d'une incroyable célébrité, inversement proportionnelle à sa taille. Et pourtant, aussi surprenant que cela puisse paraître, son histoire est encore très largement méconnue. A quelle époque remonte l'existence de la statue ? Quand commence-t-on à lui offrir des costumes ? Depuis quand incarne-t-elle l'esprit bruxellois, voulu espiègle et irrévérencieux et, plus largement, l'image de la ville à l'étranger ? Ce livre vous invite à découvrir les multiples facettes du "phénomène Manneken-Pis".
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Art & design atomium museum ; the plastic collection
Collectif
- Exhibitions International
- 12 Janvier 2016
- 9782875720153
Nouveau musée et centre d'art, le ADAM (Art & Design Atomium Museum) a pour ambition de devenir une référence muséale en matière d'expositions d'art et de design à Bruxelles. Installé sur le plateau du Heysel, à deux pas de l'Atomium, il dispose de près de 5. 000m2 et a pour exposition permanente la collection du Plasticarium. Constituée depuis les années 1980, cette collection est un ensemble singulier et unique au monde qui regroupe plusieurs centaines d'objets en plastique, allant du plus usuel à l'oeuvre d'art, en passant par l'objet de design.
Si cette collection occupe la large place qu'elle mérite au sein du musée, d'autres espaces proposent des expositions temporaires dédiées à l'art et au design du XXe siècle et d'aujourd'hui. Le présent ouvrage reprend les créations des designers parmi les plus importants dans le domaine du plastique depuis les années 1950 jusqu'à nos jours. Un florilège de formes et de matières magnifiquement illustré par des reproductions en quadrichromie dont beaucoup en pleine page.
Un livre référence, qui compte également quelques oeuvres d'art ayant recours au plastique, publié en quatre langues (français, néerlandais, anglais, allemand).
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Meunier, Dalou, Rodin... ; les sculpteurs du travail
Collectif
- Snoeck Gent
- 4 Juin 2020
- 9789461616043
Cette exposition temporaire sera élaborée sous la direction de Cécilie Champy-Vinas, commissaire invitée, conservatrice au Petit Palais, musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris, et de Cécile Bertran, directrice du musée Camille Claudel. Elle abordera la thématique du travail dans la sculpture au tournant du siècle, et notamment les trois projets de monuments au travail conçus à cette période en France et en Belgique.
Longtemps cantonnée aux marges de la création artistique, la représentation du travail envahit à partir des années 1870-1880 le champ artistique. L'engouement pour le sujet culmine vers 1900 où plusieurs grands sculpteurs - Rodin, mais aussi Dalou et Meunier - imaginent de colossaux monuments qui rendent hommage aux travailleurs, mais dont aucun ne verra cependant le jour. Cette exposition se propose de mettre à l'honneur les "sculpteurs du Travail" qui, entre 1880 et 1920, cherchèrent à accorder la sculpture - genre par essence noble et sérieux - à l'un des sujets les plus prosaïques de la tradition artistique, celui du Travail.
Des sculpteurs tels Dalou et Rodin rompent alors complètement avec les usages académiques qui réservaient l'art statuaire monumental à la représentation des rois, des princes et éventuellement des "grands hommes" à partir du XVIIIe siècle. D'humbles travailleurs - paysans, mineurs ou maçons - deviennent des héros de marbre ou de bronze et acquièrent ainsi une dignité nouvelle. Cette exposition au sujet largement inédit invite à redécouvrir l'extraordinaire fortune d'un thème dont l'omniprésence dans la sculpture de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle mérite d'être questionnée.
Riche d'environ cent oeuvres, l'exposition sera l'occasion de présenter au public des sculptures inédites ou rarement montrées, provenant de musées français (Petit Palais, musée d'Orsay, musée Rodin) et étrangers (Belgique et Italie), mais également de collections privées. Bien que principalement dédiée à la sculpture, l'exposition visera également à explorer les liens qui unissent l'art statuaire et d'autres techniques artistiques, notamment le dessin et la photographie, tout en faisant écho aux thématiques présentées dans le parcours du musée Camille Claudel à Nogent-sur-Seine.
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L'univers de George Minne et de Maurice Maeterlinck
Collectif
- Fonds Mercator
- 18 Décembre 2011
- 9789061533566
L'année 2011 commémore l'octroi du Prix Nobel de la Littérature à Maurice Maeterlinck le 22 octobre 1911. A cette occasion, le Musée des Beaux-arts de Gand, sa ville natale, organise une exposition intitulée « L'univers de George Minne et de Maurice Maeterlinck ». George Minne et Maurice Maeterlinck étaient des « esprits symétriques » considérés à leur époque comme des innovateurs au sein du monde artistique international. La publication qui accompagne cet évènement mettra en lumière les deux artistes qui présentent de nombreux points communs durant leurs jeunes années et qui, chacun dans leur domaine, eurent une influence importante sur le symbolisme européen. L'ouvrage présentera ainsi le milieu artistique gantois de la fin du 19e siècle où évoluaient à leurs débuts les deux artistes belges mais aussi les poètes Grégoire le Roy, Georges Rodenbach et Charles Van de Woestijne. Le livre, richement illustré, se focalisera sur de nombreux aspects de la vie et de l'oeuvre des deux artistes. La relation de Maeterlinck avec les arts plastiques de son temps sera un des thèmes principaux. En effet sa pensée fut active non seulement dans le monde du théâtre et de la musique, mais aussi pour les arts plastiques. Les oeuvres d'artistes qu'il inspira, tel Odilon Redon, ou qui furent influencés par ses idées, ses poèmes ou ses pièces, tels Fernand Khnopff, Léon Spilliaert ou Maurice Denis, illustreront la présence indéniable de Maeterlinck dans l'histoire artistique. L'évolution artistique de George Minne, dans le même contexte, sera un autre thème marquant développé dans l'ouvrage. A la même période, il créa ses élégantes sculptures qui lui attribuèrent une place importante dans l'univers de l'Art Nouveau européen. L'influence de son art auprès d'artistes, tels Gustav Klimt et Oskar Kokoschka, fera aussi l'objet d'une attention particulière au sein du livre et de l'exposition. Afin d'illustrer cette riche thématique, l'ouvrage reproduira plus de 100 oeuvres (peintures, sculptures, dessins, estampes, affiches et livres illustrés) qui offriront ainsi une perception complète et variée de l'univers des deux artistes.
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Bestioles, ou bestiaire pour un enfant roi
Jephan de Villiers
- Grandir
- Le P'tit Contoir
- 27 Septembre 2004
- 9782841662692
Des bestioles comme vous n'en voyez pas beaucoup. Pourtant elles sont là, tout près, pour qui sait regarder... et assembler branches, feuilles, écorces...
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Félicien Rops et Auguste Rodin ; les embrassements humains
Collectif
- Hazan
- 28 Septembre 2011
- 9782754105859
Le namurois Félicien Rops (1833-1898) est célèbre pour son oeuvre sulfureuse et les liens entre la femme et Satan qu'il illustra avec brio. Son travail s'inscrit dans une période charnière, celle la fin-de-siècle dite de la décadence, marquée par l'influence directe de Baudelaire qu'il rencontra en 1864. En 1874, Rops s'installe à Paris où il sera un illustrateur recherché par les grands écrivains de sa génération : Mallarmé, Péladan, Verlaine, etc. Félicien Rops et Auguste Rodin se sont rencontrés en 1884 et se sont côtoyés jusqu'à la fin de la décennie, fréquentant les mêmes cercles. De cette relation témoignent des rapports entre les deux oeuvres et une ample correspondance. L'amitié qui aurait pu lier les deux hommes se transforme alors en rivalité larvée. Les embrassements de Rodin sont trop proches des corps exaltés de Rops. L'artiste namurois réclame la paternité de ces couples enlacés hautement érotiques qui établissent sa notoriété auprès des collectionneurs et des artistes. C'est que, soutenus par les écrivains et les critiques de leur temps, Rops et Rodin participent à l'émergence d'un pré-symbolisme et d'une représentation du corps tout à fait moderne. Ils sont associés à la montée d'un même mouvement artistique, tout en gardant chacun leur spécificité, l'un dans le domaine de la sculpture, l'autre dans celui de l'illustration. Cependant, Rops voyant la carrière fulgurante de Rodin supporte assez mal de rester cantonner dans la sphère du milieu littéraire et des collectionneurs. L'oeuvre dessiné des deux artistes permet de suivre leur face à face, évoluant d'une certaine complicité à une rivalité larvée, et leur apport respectif à un art nouveau, dans la logique de la modernité baudelairienne. L'étude de leurs oeuvres porte également sur les notions « d'états », de variations et de répétitions, sur les procédés de collage et la question de l'inachèvement. Malgré ce sentiment d'avoir été spolié d'une partie de sa création, Rops conserve une admiration sans borne au statutaire Auguste Rodin. A travers cette exposition « Auguste Rodin - Félicien Rops, embrassements humains », c'est cette communion d'esprit et de représentation d'une nouvelle vision du corps de la femme qui est restituée ici à travers une soixantaine de dessins de Rops et de Rodin et plusieurs plâtres du sculpteur.
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Sculpteur établi à Bruxelles, Alfred Blondel travaille le bronze, la pierre, la terre cuite et exprime, à travers les corps de jeunes femmes, éloges, rêves et réalité de la beauté féminine.
Ses oeuvres sont visibles à son atelier, lors d'expositions, et en des lieux publics.
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Les maîtres de la sculpture de Côte-d'Ivoire
Lorenz Homberger
- Skira Paris
- 15 Avril 2015
- 9782370740106
Présente près de 300 oeuvres historiques et contemporaines d'Afrique de l'Ouest, et plus particulièrement de Côte d'Ivoire. Les essais critiques restituent les sculptures dans le contexte religieux et stylistique de leur époque.
